發(fā)布時間：2023-03-21 17:07:45
序言：寫作是分享個人見解和探索未知領域的橋梁，我們?yōu)槟x了8篇的繪畫藝術論文樣本，期待這些樣本能夠為您提供豐富的參考和啟發(fā)，請盡情閱讀。
人們關注繪畫藝術就是關注人們的內心情感世界，一個時代的藝術杰作之所以能成為那個時代的藝術杰作，就是因為作品能讓那個時代的人們的心靈受到感動、甚至震撼，就是因為作品能讓那個時代的人的最本質、最深刻的情感得到完美地表達。當然，所有這些都離不開藝術家對那個時代的深刻認知和情感體驗。藝術家所處的時代不同、生活經歷不同，藝術家的情感內涵和表現(xiàn)方式就不同，作品的藝術風格也就不同。馬蒂斯的作品《舞蹈》，描繪的是一群舞者，手拉手圍成圓圈，瘋狂舞動，背景顏色為藍色和綠色，人體是朱砂色極具概念化。畫家馬蒂斯準確把握舞者的表現(xiàn)特征，對舞者產生情感共鳴，激發(fā)無限的感性情感和創(chuàng)作激情，升華作品思想內涵，對繪畫表現(xiàn)形式進行大膽舍棄，大膽概括線條，大膽運用單純色彩及色塊描繪對象，使繪畫藝術中感性情感與理性情感得到完美表現(xiàn)。
二、繪畫藝術中的感性情感與理性情感分析
1.繪畫藝術是感性情感與理性情感的有機融合
任何一件成功的繪畫作品，都必須是神形兼?zhèn)洌髌分挥斜硇危瑳]有神韻，形體再美，作品都沒有價值和意義。因為神韻就是作者對繪畫內容賦予了情感，并且通過作品把這種情感傳輸給觀者，讓觀眾思想產生碰撞、心靈產生火花，收到感染觀眾、震撼觀眾的藝術效果。作品既要形似更要神似，作品才能氣韻生動、神采飛揚，形神兼?zhèn)洌瑑烧呷币徊豢桑⑶橛诰埃|景生情，情景交融。秦始皇陵兵馬俑，石窟造像，規(guī)模宏偉，氣勢雄壯，醒目彪悍，有形、有勢、有神韻。達芬奇的作品《蒙娜麗莎的微笑》是人物繪畫的傳世經典之作，細細品讀欣賞，作者意圖表現(xiàn)得鮮活靈動、淋漓盡致。若單獨觀看部分形體，情感表達就不完整，甚至是丑陋無比。若去掉部分，僅留下情感特別豐富的部分，這些也會讓人感到空洞乏味、單調呆板。只有全部呈現(xiàn)整幅作品，使感性與理性合理搭配、充分結合，才具有形式美、形體美和神韻美。
2.感性情感是理性情感的基礎
創(chuàng)作者在創(chuàng)作時，先是對創(chuàng)作對象進行深入了解、全面感知，產生感性認識，調動各方情緒，直至情緒興奮、激動、沖動，創(chuàng)作者腦海中迅速閃現(xiàn)出最基本的色彩、構成、線條等基本繪畫知識，這些理性知識幫助創(chuàng)作者梳理激動情緒，形成理性情感，并快速記錄、清晰完整表達出來，這就完成了作品創(chuàng)作。創(chuàng)作者在創(chuàng)作《人體》繪畫作品時，動筆之前先在模特周圍轉幾圈，細細觀察模特，觀察模特每個角度的色彩構成，對模特進行全面感知，等找到感覺之后，創(chuàng)作者的專業(yè)繪畫理論知識迅速在大腦中顯現(xiàn)，理性地指揮創(chuàng)作思維、并在大腦中開始構思畫面，理性地快速繪畫。創(chuàng)作者追求畫面的色彩效果，黃色的人體躺在紅色床單上，畫面背景是淡淡的湖藍色，色彩單純、濃烈，模特更加耀眼突出，顯得格外地安詳溫暖。創(chuàng)作者理性情感來源于平時的感性積累，創(chuàng)作者就注重對色彩、構成、結構、色調、光線等知識的認識感知，沒有這些感性情感積累，觀察模特再認真、再仔細，也產生不出作畫的理性情感，更創(chuàng)作不出感人的成功之作，所以說感性情感是理性情感的基礎。
3.理性情感是感性情感的升華
繪畫創(chuàng)作，找感覺很重要，找到了感覺就是創(chuàng)作者的感性情感得到了升華，找到了感覺就是創(chuàng)作者找到了繪畫的靈魂，畫作就有了理性情感，畫作就有了神韻意味。創(chuàng)作者到一個新地方去寫生繪畫，首先要四處轉轉，了解人文環(huán)境等，大腦中有個初步印象后，再尋找作畫的突破口和切入點，再構思畫面，確定畫什么，在哪里畫。尋找感覺的過程就是感性情感在升華的過程，升華到一定程度，感覺找到了，感性情感就升華成了理性情感，理性融合感性的思維指揮著創(chuàng)作者在畫布上塑造空間、組織形象、運用色彩，一幅畫就完成了。畫家波洛克在創(chuàng)作一幅作品，他準備一個大畫框，繃好畫布，一連很多天只對著畫框看，不動筆。很多天過后，他終于動筆，在畫布上揮毫潑墨，行云流水，不到半天就完成了一幅作品。作品一氣呵成，整個畫面清新流暢，沒有絲毫矯揉造作。作品《關山行旅圖》描繪的是關陜一帶山水，寫景繪形比較概括提煉，整個畫面氣勢雄壯、意味深長，充滿濃郁的鄉(xiāng)土生活氣息。畫中景物很少，藍天白云、山間小村、小橋流水、綠樹成蔭，環(huán)境優(yōu)雅，空氣清新，令人心馳神往。如今環(huán)境污染嚴重、生態(tài)惡化，創(chuàng)作者對過去優(yōu)美宜人的生態(tài)環(huán)境留戀不已，就以這幅作品來表達對優(yōu)美環(huán)境的向往，喚醒人們治理環(huán)境的意識和行動。
三、結語
到了20世紀60年代中期，產生了極簡藝術，藝術開始變得面目全非。特別是到20世紀70年代，隨著實驗藝術的登臺亮相，觀念藝術的產生，藝術消亡的理論不絕于耳。尤其是觀念藝術認為藝術只是一個觀念，不存在什么內容和形式，以往傳統(tǒng)的繪畫最終消失了，變得毫無意義。到了當代繪畫何去何從的問題日趨顯現(xiàn)了出來，一些藝術家另辟蹊徑，找尋繪畫的意義和表現(xiàn)形式，開啟了一場當代意義上的繪畫歷程，對當今西方社會的藝術產生了深遠的影響。
二、當代西方繪畫藝術的特征及主要表現(xiàn)
（一）新繪畫的出現(xiàn)
20世紀70年新繪畫的出現(xiàn)，標志著繪畫開始走出死胡同，有的新的發(fā)展方向，繪畫藝術開始走出困境，走向復興。這種新的藝術形式首先在歐洲生長，后來美國奮起直追，到了80年代中期連日本也出現(xiàn)了這樣的藝術運動。這種新繪畫的特征是風格自由，大膽粗獷。畫面巨大，意象深遠，充滿了苦澀的美感。這些作品能給人強烈的情緒，題材也極為豐富。
（二）意象
西方的現(xiàn)代主義的藝術發(fā)展到最后進入到了死胡同，形象不存在了，色彩不存在了，空間不存在了，到后來連繪畫藝術的意義都受到質疑。而我們的后現(xiàn)代的藝術家們另辟徯徑，從多個角落找回藝術的價值。特別值得一提的是當代的藝術家們畫面中出現(xiàn)了意象。意象是介于形象和抽象之間，這種意象既不同于傳統(tǒng)的寫實主義繪畫的惟妙惟肖的具象，也不同于西方現(xiàn)代藝術對形象的消解，它是一種抽象、殘缺不全的、怪誕離奇的、夸張的或是變形的、卡通或涂鴉形象，它以一種新方式出現(xiàn)在畫面中。新意象繪畫有許多代表畫家，其中重要人物有菲利普•古斯頓。他在1968年突然采用了一種新卡通式的具象繪畫。在新意象畫家中，最有名的當屬蘇珊•羅森伯，她畫面中采用的具象是馬——確切的說，是用松弛的輪廓線勾勒而成的馬的側面。
三、流派紛呈，兼容并蓄
西方當代藝術有著極強的包容性，它呈現(xiàn)出一個五彩繽紛的狀態(tài)。它包容一切可能的藝術形式，即使是以往難登大雅之堂的涂鴉形象。在對待藝術家這個問題上，破除西方主流文化中心論，一些亞洲、拉美藝術家的作品也出現(xiàn)在了各地的展覽中。當代西方繪畫藝術色彩紛呈，流派眾多。主要有聯(lián)邦德國的新表現(xiàn)主義、意大利的超前衛(wèi)藝術、美國的涂鴉藝術、法國的自由形象與英國的新精神等等。比如：
（一）德國的新表現(xiàn)主義：
德國的新表現(xiàn)主義繪畫經歷了從巴塞利茲、呂佩爾茨的“純繪畫”到彭克、波爾克的可能性再到柏林的一些年輕的藝術家的表現(xiàn)力的繪畫，使得繪畫獲得了新生。這一派的藝術家試圖消解繪畫的主題和內容，用富有張的藝術形象來吸引關注。這一派的藝術家們認為繪畫應該是自由的，無限制的。比如畫家基弗就收集了從神話到近現(xiàn)代的所有史料，用繪畫的方式把這種歷史表現(xiàn)了出來。他們還用強烈的色彩，大膽的畫風表現(xiàn)內心被壓抑的情緒。
（二）意大利的前衛(wèi)藝術家：
在意大利超前衛(wèi)的藝術家那里就采用了折衷風格，他們借鑒了傳統(tǒng)繪畫的風格和規(guī)則。在其代表人物基亞那里可以看到夏加爾、畢加索等藝術家的影子，但基亞不是照抄或延續(xù)這種風格，也是進行新的詮釋和演繹，使古典以新的面目進行回歸。而庫奇尤其喜歡馬薩喬的藝術，他繼續(xù)探討人和自然的關系問題。在這里，藝術家們不是把這些風格簡單排列，而是進行多方面的組合和探索，使一些新的表現(xiàn)成為可能。
（三）美國的涂鴉藝術：
它的代表人物有吉斯哈•林、肯尼•莎爾夫等。吉斯•哈林的藝術有一種華麗之感，幽默、活潑，他的粉筆畫也迅速、簡潔。而另一個代表人物肯尼•莎爾夫是具有獨創(chuàng)性的涂鴉藝術家，他的畫面色彩明亮，有一種極端強烈的視覺刺激效果。
（四）法國的自由形象：
這一派的藝術家作品中形象具有濃厚的諷刺意味。他們或取材于海報，或取材于卡通人物，有著一定的喜劇效果。英國的新精神：這一派的代表畫家馬爾科姆•莫利談論藝術家通過藝術了解潛意識，通過意象讓潛意識活動暴露出來。他們或在叛逆者中尋找繪畫形象，或在詩人中尋找。這是一種有較大隨意性的創(chuàng)作方法。
四、對傳統(tǒng)繪畫的超越式回歸
本文作者：張?zhí)熳魡挝唬汉Ｄ蠋煼洞髮W美術學院
在水彩繪畫藝術中，正是由于“水”這個媒介材料的介入，才會使水彩畫面充滿了水色輕靈、秀美朦朧的意境之美。水，成就了水彩藝術獨特的藝術特質。無論是油性材料的油畫還是水性材料的水彩和國畫，這時材料媒介在畫面上呈現(xiàn)的狀態(tài)則有一個相同的共同點，那就是材料都是為畫面的形象服務的，是塑造畫面形體的輔助手段。然而當畢加索和勃拉克把將報紙、圖片、木屑等現(xiàn)成材料引入繪畫開始，畫面中的材料就逐漸開始了另一種訴說的軌跡。隨著繪畫藝術的發(fā)展，材料在繪畫中的地位已經開始發(fā)生了質的變化。在現(xiàn)當代繪畫的語境下，大理石粉、瀝青、土質材料、油彩、沙子、鐵屑、鉛皮、稻草、樹枝等等更多的材料開始運用到畫面，隨著越來越多的材料混入到畫面并被充分利用起來，材料開始逐漸作為一種獨立的語言出現(xiàn)，尋求著自身本體的一種表達和述說方式。繪畫者采用的創(chuàng)作方式也開始多樣化，拼貼、綜合材料、裝置、影像等藝術形式變成了關注材料語言的藝術創(chuàng)作者的主要表現(xiàn)手段。材料開始轉變?yōu)榱水嬅娴闹黧w語言。正如劉驍純所說：“在古典藝術中，比如達芬奇的《最后的晚餐》中，顏料、水、膠、筆、墻壁乃至涂色、勾線的工具、材料、色、線、點、面、體、光、空間、結構又是塑造人和物的手段、人與物又是為組成故事服務的，故事又是為宗教教義服務的。媒介物質在這里是手段的手段，‘仆從’的‘仆從’。經過近現(xiàn)代藝術的一系列變革，‘主人’的‘主人’一層層退位，‘仆從’的‘仆從’一步步升格。媒介物質終于在當代藝術中從‘仆從’上升為‘主人’。”［1］“在材料的利用中，隨著混入的材料越來越復雜和新材料越來越多地被起用，媒介物質一步步自主自立，從藝術語言的輔助手段上升為藝術語言本身，這里最重要的是生命與物質材料的對話，思想與材料物質的交流，這種對話和交流最終留下的是注入了生命和思想的物質痕跡”。
當物質材料廣泛運用到繪畫中所形成的語匯就變得極為廣泛且多變，當物質材料完成了從為畫面形體塑造服務到主體語言的角色轉換時，其內涵便出現(xiàn)了多義性，從而完成了從物質到精神的超越。材料作為主體語言運用到畫面，是利用材料本身所具備的物質和文化屬性來實現(xiàn)的。任何的物質材料本身都具備兩種特性。一是材料本身具備其作為物的“表情”，也就是物質本身的材質感，材料首先就是通過自身的材質“表情”作主體語言參與到畫面的組構上的。二是材料同時也具備其作為存在而具備的文化積淀。材料在存在的過程中必然會融合歷史為它所賦予的文化內涵。木頭、土、乳蠟、油脂具備的是暖性特質；鋼鐵、水泥、玻璃具備的是冷性特征；斑駁的鐵銹和枯黃的稻草代表的是破敗，國畫書法所用的材料載體宣紙在經歷了千年的沉積，其本身就成了中國東方傳統(tǒng)文化的具有代表性的材料之一……，這些都是材料本身所具有的一定的文化指向。材料正是依托其本身的“物”性和所承載的文化內質與繪畫者賦予的精神相結合，才實現(xiàn)著物質材料與精神的穿越與滲透。在德國新表現(xiàn)主義畫家基弗和他的老師博伊斯的作品中，我們可以深刻的感覺到材料語言所帶來的這種材料與精神的完美融合。基弗作為二戰(zhàn)后崛起的德國藝術家，他對戰(zhàn)后所造成的破壞和傷害有著極為深刻的感觸。干裂的泥土、殘破的廢墟、荒蕪的大地充滿著他那巨大的作品中。在材料運用上，他把鋼鐵、鉛、瀝青、油彩、油墨、沙土、丙烯、稻草、水泥等等材料綜合運用的畫面，材料在畫面上反復堆砌，讓觀者在視覺上就能感覺到畫面物質的重量感和可觸摸感。在他的作品《美索不達米亞•兩河流域》中，基弗用腐蝕過的鉛皮制作成一部部敞開的巨大書籍陳列在兩個高大的書架上，他通過把材料進行重新制作和組合，同時保留著材料的符號特性，通過物質材料在視覺上所產生的喻示來描述著德國的歷史和磨難。博伊斯是基弗的老師，他用毛氈和油脂材料進行藝術創(chuàng)作，毛氈和油脂本身就具有暖性的特征，在作品《動物脂》中，博伊斯正是利用這種材料物性特征來完成他的藝術構想，實現(xiàn)著材料的藝術性話語轉變。我國畫家朱進在他的《時光》系列作品中，運用五色土、黃色土、褐色土質材料來進行藝術創(chuàng)作。由于土質材料本身就因為人和土的親密關系而具有一種天然的親和力量，他正是利用土質材料這種物質屬性和親和力來實現(xiàn)著自己的藝術訴求，來拉近作品和觀看者之間的距離。在畫面上，土質材料所獨具的物質表情和文化內質成了畫面的主體語匯，畫面的形象倒是變得不那么重要了，觀看者面對畫面所產生的內心觸動幾乎都來自于這些涂抹、堆徹、龜裂在畫面上黃褐色土料。從眾多的具有代表性的作品中，我們可以看到，材料的介入已經為繪畫者實現(xiàn)其獨特的繪畫語言打開了一扇更為寬闊的門，同時也提供了全新的思維方式和表現(xiàn)手段。材料語言在繪畫中的這種語義轉變是有著自身的表述特征的。首先，材料語言更強調實驗性和偶然性。實驗性和偶然性是材料作為主體語言運用到繪畫藝術的兩個重要特征。所有的材料運用都是一種實驗性的探索，這種探索是在研究材料語言應用的無限可能性的基礎上的。無論是繪畫創(chuàng)作者還是觀看接受者，對材料本身的特質和內涵最初的認知上都是停留在表層面的，尤其是作為藝術創(chuàng)作者，為了有效利用材料，傳達自己的藝術主張，就要對不同物質材料進行反復的實驗運用，探知材料在畫面上所能形成的具有鮮明個性的藝術語言和精神。材料應用的無限可能為藝術語言的形成提供了無限的空間，也使偶然性成為了畫面的極為重要的特征之一，也正是這種實驗性，使偶然性成為了材料繪畫藝術的一種最為重要的品質。其實畫面上的偶然性因素一直都是一切繪畫藝術創(chuàng)作者最為珍惜和重視的。達芬奇說：“激發(fā)大腦的各種發(fā)明，是讓人們觀察斷壁殘桓，未息的余燼，以及斑石、云朵和土塊，因為這些不規(guī)則的‘偶然性’形態(tài)中能使人產生奇妙的發(fā)現(xiàn)，使藝術家進入一種夢的狀態(tài)。在這種狀態(tài)中，想象力就開始在那些墨點和不規(guī)則的形狀中施展魔術，而同時這些形態(tài)又反過來幫助他進入一種朦朧的虛幻狀態(tài)，使藝術家的內在視覺得以投射到存在的事物上。”
在對各種材料的運用和實驗中，畫面會形成一種具有美感和抽象意味的偶然“跡象”，繪畫者對這種偶然之象重新進行選擇和組構，把那些具有視覺沖擊力和美感的“象”保留下來，形成了新的視覺審美趣味。其次，強調觀念性和精神性是材料語言語義轉變的本質訴求。材料作為一種物質實體，其本身是不具備觀念性和精神性的。是藝術創(chuàng)作者在藝術創(chuàng)作過程中，對物質材料進行分析、運用和轉化，并賦予其一定的思想和精神，從而使材料成為了創(chuàng)作者精神表達的載體。當“物質材料”被創(chuàng)作者當作傳達精神與觀念的載體在畫面上直接呈現(xiàn)出來時候，物質材料所蘊涵的特定的文化暗示就傳達出來，材料便具有了全新和獨立的藝術價值，材料作為畫面主體語言的地位便得以彰顯和提升，在創(chuàng)作者的畫面中，它們變成了充滿象征性、精神性、觀念性的抽象語言，成為藝術家對自然、對社會、對人生和精神的隱喻和暗示。材料語言在繪畫藝術中的這種語義轉變，使繪畫藝術的邊界有了更多的外延，使繪畫藝術最終走向了綜合。
女畫家作為創(chuàng)作、生活與社會的多重性角色，使她們有著不同于男性畫家的生命情感體驗和思維特征，有著較男性更善于接受和感覺印象的能力，有女性體味世界的細微和善意，有將自己卷入情感和審美意愿的女性執(zhí)拗和女性表達慣性。女性畫家將感受與素質融入自己作品的主題與形象就使得繪畫迂回著女性的自述話語，洋溢著女性的風采，熔鑄著女性的思想。她們在以表現(xiàn)女性形象為主題的創(chuàng)作中，開始體現(xiàn)出對女性自身的認識和對母性與愛的認同以及其生存世界的關注。女畫家在創(chuàng)作中通過形象表達女性對生活的態(tài)度和審美理想，形成與男性畫家不盡相同的審美視角的創(chuàng)作風貌。女畫家成熟期的作品已經跨越了生活的淺層描述和記錄，以形象為載體蘊含著女性獨有的心理、情感、狀態(tài)、愿望等諸種體驗，強化了創(chuàng)作中的主題意識，使畫面更趨于深厚和內蘊，從而呈現(xiàn)出自述性特征。在今天多元的創(chuàng)作環(huán)境，不斷深化的創(chuàng)作觀念使得一些女畫家將視覺轉向女性本身。由對現(xiàn)象世界的描述轉而進入女性心靈世界及主觀感受的表達。英國女性文學先驅佛吉亞·伍爾夫在《一間自己的房間》里曾經指出：“一個寫作的女性首先必須具備的條件是一間“屬于自己的房間”，這個房間恰是指作為女性為自己爭取到的對人生的獨立觀察和思考的空間。女性畫家以女性形象為載體，表達來自個體的女性感受是近些年來女性繪畫特別是年輕畫家的突出特征。她們用其特有的直覺和生存本能去體悟每一個生命的、情感的或充滿人生意味的事實。這種從個人情感體驗中生發(fā)出來的藝術更明顯地帶有自述性特征和個人審美征兆。女畫家們表達其母性的體驗，表達不明確的女性意識的視覺上的自立愿望，表達孕育生命的大地萬物和由此關照的女性生命來源，表現(xiàn)由自然花草暗喻的生命狀態(tài)和精神愿望，表現(xiàn)女性眼睛中的市井人海，表達來自女性生理與心理敏感的經驗等等，女性繪畫顯出一個廣大無限的創(chuàng)作天地和豐富多樣的女性精神世界。我們從夏俊娜的《梔子花開》系列，徐曉燕的《秋季風景》以及喻紅、申鈴等女性畫家的作品中都可以感受到其豐富又飽含內蘊的女性語言風采。這些女畫家“從個人經驗到個人天地的表達到人類社會問題的關注，反映了女性藝術無論從美學品格到文化指向均以進入當代狀態(tài)，它既是在女性自我探詢的語境中生成又以特有視角進入當代的公共話語之中”女性繪畫使我們感覺到女性畫家已經開始超越原有的傳統(tǒng)見識；女性繪畫概念由狹窄的局部而不斷走向深入與寬廣，女性藝術在本質上也屬于人類文化的組成部分——但她用自己的聲音來說話。
二、形象塑造
女畫家在潛意識中，畫中的女性形象與自己的生活感受、審美理想卻是剪不斷，相互纏繞的，從某種角度說，筆下形象絕不僅僅是創(chuàng)作客體，而是畫家的審美態(tài)度與精神寫照。因此，女畫家賦予自己的畫面形象以明顯的自述特征在長期的主體文化與社會題材創(chuàng)作中，她們不同與男性畫家的地方，就是對女性的肯定、尊重和維護，創(chuàng)造合乎自己審美理想的女性形象。形象塑造的自述性還體現(xiàn)在現(xiàn)代女性意識繪畫所追求的坦誠、實在及修養(yǎng)的外觀中，沖破原有繪畫模式的束縛，表現(xiàn)自己的精神世界，造型觀念自然隨之衍變。只有當她們用自己的話語重建現(xiàn)實時她們才能獲得表達個人經驗的權利。而女性藝術家一貫將探詢的目光轉向自身，轉向個人經驗的陳述和心靈事件的表白這些深潛的情感領域便成為建構女性生活話語的理想境地。在女藝術家嘗試表達自己的人生與視覺經驗的同時，就開始了女性話語的嘗試與建設，表現(xiàn)出更具個體體驗特征的自述形象。這種形象的創(chuàng)造，除了女性特有的對自然生命的敏銳感悟和直覺外，還表現(xiàn)在受現(xiàn)代藝術語匯影響，運用表現(xiàn)、象征、抽象、超現(xiàn)實等手法，完成對于女性體驗、感受、情緒、愿望的主題表達。喻紅將自己畫面中的女性與周圍環(huán)境孤立起來，表現(xiàn)一種空間的冷漠和真實的陌生，用象征手法表現(xiàn)一種人的生命與精神的存在方式與狀態(tài)，畫中的女性形象削弱了動人的畫面，退去了繁麗的色彩，消解了具體的環(huán)境，但其藐視的目光、松弛的動態(tài)、自由的意識，卻具有一種女性自然自得的力量，怎能不是一種女性意識的張揚和女性感受的自述。夏俊娜繪畫中所呈現(xiàn)的巴爾蒂斯的奇特造型品質以及弗蘭西斯卡神圣的宗教氛圍恰到好處地塑造了畫面中理想的、姿態(tài)閑適的人物及其人物常有的一種莫名的驚恐、疑惑，不安的情緒中或未從驚魂未定的夢中走來的精神狀態(tài)，畫中的女性形象具有作者散發(fā)出的敏銳獨特藝術氣質和審美心理的自述性。克利、盧梭、夏加爾都是夢幻主義的先驅，在盧梭身上天真、單純和智慧混為一體，似乎毫無幽默可言但卻很迷人，他那奇妙的、敏銳的、直接的觀察方法結合了一種奇妙的想象力。
三、直覺品質
與普通人相比，藝術家的直覺更富于指向性，他們在迅疾感知外物的同時，也領悟和洞悉了潛藏于其中的意蘊，使主客體的結構在剎那間達到契和一致。表面上看，直覺似乎不太嚴謹，但它比邏輯分析、推理更完整、更深入。生命是感性的，任何邏輯分析都無法整體深層地把握它，只有直覺才能做到。
在藝術的形式和媒介里，由直觀所把握的是一種觀念的現(xiàn)實，它既是自然的現(xiàn)實，又是人類生活的現(xiàn)實。所有偉大的藝術品都是使人能以一種新的手段去接近自然和生活，并給予自然和生活以一種新的解釋，但這種解釋只能依靠直覺而非概念，用一種感覺的形式而不是抽象的形式。因此，意大利美學家克羅齊這樣說：“心理只有借造作賦性，表現(xiàn)才能直覺”。藝術家在積累素材、感受生活時，在確立創(chuàng)作意圖時，在謀篇布局時，無不著眼于一定的形式，而形式如果說在創(chuàng)作初始階段尚未明確，在構思階段一定具體為某種藝術類型，或繪畫或雕塑。此時的藝術形式已深深浸透了藝術家對事物的藝術把握，直覺是感受或把握藝術符號形式的審美能力。藝術之所以能夠成為情感形式，不是靠藝術家觀察得來，而是通過直覺發(fā)現(xiàn)的。直覺并非純粹的理性活動，它具有理解認識因素，這是對的，但直覺確實是一種對形式的根據(jù)把握。因此我們可以這樣認為：一切符號表現(xiàn)都要包含著對形式的把握和認識的抽象活動，而這種抽象活動又是直覺的主要功能。藝術作品既然把心靈的東西表現(xiàn)于目可見耳可聞的直接的事物，藝術家就不能用純粹的思考的心靈活動形式，而是要守在感覺和情感的范圍里，或者說得更精確一點：“要用感性材料去表現(xiàn)心靈的東西”。
女性在直覺方面，的確有較男性優(yōu)越和敏銳之處，她們“匆匆作出結論”，并常常是正確的結論，以此顯示她們的機敏。女性比男性更善于接受感覺印象，肯尼思·沃克爾說：“女人對感情刺激比男人敏感，她通過自己的感情看待生活只憑激情就可以得到許多真理”。女性畫家在進行藝術創(chuàng)作時，當主題與畫家的表現(xiàn)技巧吻合后，女畫家能使畫面似隨手拈來般自如愜意無牽強做作之感，顯現(xiàn)出女畫家的直覺性天賦和恰似本能的美感修養(yǎng)。我們感受女畫家筆下的純與真，從動人的形象、漂亮的色彩到精巧的構思都是如此或造型上是工是寫，主題是花是草，畫境是濃是淡，都散發(fā)著女性的智慧活力，顯現(xiàn)出女性對于藝術表現(xiàn)的直覺性特征和其敏銳且適度的創(chuàng)造力，她們以女性特有的細膩與敏銳、直覺與悟性、觀察體味人生與世界，說自己的話，呤自己的詩，唱自己的歌，用純粹的色彩、靈秀的線條和真摯的形象深化主題。
女性繪畫的自述特性，是女性藝術創(chuàng)作的一般規(guī)律，亦是女性藝術家在對規(guī)律的探討中的逐漸成熟。女性畫家作為現(xiàn)代藝術創(chuàng)作者和勞動者，只有在高層次的人生境界和審美理想追求中才會真正散發(fā)出永久保持女性的藝術魅力和品格魅力。
[參考文獻]
1.《林語堂散文集》
2.《自我探尋中的女性話語》.賈方舟著
3.黑格爾語
語言藝術是較為抽象的，需要通過讀者的想象力來把抽象的文字進行具體場景的轉換。此外，小說中的描述時間與讀者所處的現(xiàn)實時間之間也是有一定距離感的，從而使得讀者可以在閱讀過程中產生一種時間綿延的閱讀感受，進而形成一種寧靜致遠的深刻韻味。那么，繪畫藝術則是一種較為直觀和具象的藝術表達方式，他的圖像會讓觀眾由具象思維轉換到抽象思維，并可以把創(chuàng)作者的情緒與思維等直接傳達給觀眾，而這種直觀的藝術表現(xiàn)方式有時卻是文學語言難以言說的東西，它反而顯得比抽象的語言文字表達來的更為形象生動化。由此看來，文學創(chuàng)作與繪畫藝術可以通過二者來彌補各自的缺陷，從而使得藝術創(chuàng)作者的意圖表現(xiàn)得更為完美。當然，這二者的融合并不是說某一方代替另一方，而是保持各自本真的前提下進行相互補充與不斷完善。
二、現(xiàn)代小說創(chuàng)作中對繪畫藝術的借鑒與融合
1小說敘述結構對構圖藝術的借鑒與融合
現(xiàn)代小說創(chuàng)作中，創(chuàng)作者非常重視虛實相生的創(chuàng)作意境。他們不僅需要通過語言文字來表達思想觀念，更需要借助語言文字來啟發(fā)人們的思想與靈魂。那么，具有繪畫藝術特質的現(xiàn)代小說中，它就擅長通過對客觀生活中某些片段的畫面式描寫來表達創(chuàng)作的主題思想。現(xiàn)代小說家往往通過開放性的結局和巧妙的敘述框架來表達自己無限的思想情感。具體來說，繪畫藝術的構圖基本上是通過對多個繪畫因素的空間設置來表現(xiàn)藝術張力與美感的，那么，現(xiàn)代小說家就借鑒并融合了這樣的繪畫藝術構圖方式，對具有關聯(lián)的生活片段進行畫面式的描繪，并通過一定的方式進行有效銜接，最終讓小說中的主題表現(xiàn)得更為清晰透明。例如，中國現(xiàn)代小說家魯迅、凌叔華、張愛玲以及蕭紅等都擅長使用這樣空間并置的畫面敘述手法，即通過對一些生活片段的截圖來表現(xiàn)人物，啟迪人生意義。其中，魯迅小說開創(chuàng)了新的小說創(chuàng)作模式，他的故事敘述基本上沒有來龍去脈，都只是截取一些生活中的橫斷面來表現(xiàn)小說主題。因此，魯迅的小說很多都是由一個個生活畫面式的片段構成，整體的故事敘述都是空間并置的框架結構。凌叔華小說也是由很多生活畫卷組成，讓時間緩慢流動或者停滯，從而散發(fā)出一種淡淡的思緒與情感，不僅表現(xiàn)了小說中的人物與事件，同時還讓小說主題升華到了一個哲學的思考層面。當然，還有些現(xiàn)代小說家在進行小說創(chuàng)作時，使用一種繪畫藝術中較為常見的留白藝術方式，從而留給讀者更多的想象空間。這些言不盡意的詩意的留白手法，反而使得小說中描繪的生活場景更具藝術效果，因為有些小說家是在事件發(fā)展到關鍵時刻時忽然止住，有些則是故意不說明故事結局而使用景色描寫來作為意象物引發(fā)讀者的思考與想象。事實上，那些自幼就熱愛繪畫藝術并在此后的小說創(chuàng)作生涯中與繪畫藝術有著千絲萬縷聯(lián)系的作家對于留白手法的運用已經達到了純熟的程度。例如，魯迅的小說很多都是沒有結局的，他還擅長對關鍵場景進行簡單的描繪，進而形成一種意象性的文本空間，讓讀者意會到他的小說結局實際上是一種延續(xù)的符號，還可以預示著新一輪生命的開始。而凌叔華的小說留白則是一種舒緩的、綿長的思緒，她在前期做了大量鋪墊，并讓最終的結局出乎大家意料。
2小說形象塑造對線條藝術的借鑒與融合
繪畫藝術中的線條藝術由于不同的流派與種類而表現(xiàn)各異。但是，它們又都是一種直觀感情特征的表現(xiàn)方式。例如，柳樹的線條會讓人產生一種憂傷的感覺。因此，現(xiàn)代小說家就巧妙借鑒與融合了這樣的線條藝術手法，譬如，他們在塑造人物形象時，有些人就刻畫得細膩柔和，而有些人則刻畫得堅硬粗獷。這實際上與他們對于繪畫藝術中的線條藝術愛好傾向有著不可分割的密切聯(lián)系。再如，凌叔華小說中的線條是點染式的、柔弱的，張愛玲小說中的線條是現(xiàn)代主義的，魯迅小說的線條是堅硬的，常常會出現(xiàn)一些人物景物特寫等。其中，所謂點染式筆法就是指通過渲染的筆墨來描繪形象的內蘊，而非描繪事物的確切形象。這種筆法在小說創(chuàng)作中的運用常常會產生一種溫婉、柔美的文學創(chuàng)作意境。最具代表性的現(xiàn)代小說家就是凌叔華。凌叔華對于人物的描繪類似于中國傳統(tǒng)繪畫中的仕女圖，不在乎人物形象的逼真，而在乎人物言談舉止的神韻描繪。她的小說線條并不十分清晰，人物和景物的描述卻是細膩的，帶有某種情緒的思緒，可以讓讀者感受到人物或景物的氣息與神韻所在。這是一種詩情寫意的小說創(chuàng)作手法，可以讓小說行文更為緊湊和連貫。我們可以透過凌叔華輕描淡寫的筆觸來體會到其中的人物神韻，這是一種淡雅與渾然天成的藝術境界。那么，繪畫藝術中的現(xiàn)代主義創(chuàng)作手法主要就是為了表達作者的主觀情感或象征意義而對現(xiàn)實事物進行抽象、夸張甚至變異的創(chuàng)作。這種手法的代表人物就是現(xiàn)代小說家張愛玲。張愛玲對于小說中人物和景物的描繪多用簡筆，其線條是幻化、扭曲的，具有一定的象征意義，然而，她又使得小說文本內涵得到進一步的提升。從某種意義上來講，張愛玲的小說中線條創(chuàng)作手法實際上是一種對人物心理性格特征的現(xiàn)實主義描述手法。那么，現(xiàn)代小說家中對于白描手法的運用較為典型的就是魯迅和蕭紅。魯迅小說中的線條刻畫是堅硬的，接近于寫實手法，能夠讓人體會到其中所滲透著的人物靈魂。而蕭紅小說中的線條則是速寫式的，可以把人物精神狀態(tài)與大概輪廓活靈活現(xiàn)地表現(xiàn)出來。
3小說的氛圍營造對色彩藝術的借鑒與融合
在西方造型藝術的影響下，我國于20世紀初形成了高等美術教育體系。其教育體系的奠基人徐悲鴻提倡寫實主義創(chuàng)作方法，他強調基本功的訓練和素描在造型活動中的重要意義。徐悲鴻提倡法國的古典主義寫實技巧的教育培養(yǎng)模式，從根本上扭轉了我國傳統(tǒng)繪畫的觀念和教育模式。繪畫教學的基礎是對學生進行專業(yè)基礎訓練，在藝術學科中占據(jù)主要地位。高校的繪畫教學一直沿用傳統(tǒng)的繪畫教學體系，讓學生在課堂上進行大量寫生練習。學生的課堂學習內容和課下的寫生練習遵循從易到難和從簡單到復雜的原則，目的是為了讓學生掌握扎實的繪畫基本功，而當今社會信息技術在藝術領域應用廣泛，例如速寫可以用照相機替代，形畫可以用噴繪或投影儀替代等，這種噴繪技術和電腦制圖等高科技的繪畫方式普遍化的現(xiàn)象，使教師和學生對傳統(tǒng)速寫、素描等寫生的重要性和必要性產生質疑。①高校教師要對我國傳統(tǒng)的造型觀進行深刻理解，要對繪畫遺產進行重新認識，從而使高校的繪畫教育模式突破傳統(tǒng)、單一性的局限，重新建立多元化的、科學合理的高校繪畫教學模式，力爭為社會培養(yǎng)出優(yōu)秀的、具有創(chuàng)造力的藝術人才。
二、當代藝術市場的發(fā)展對高校繪畫授課內容的影響
我國高校繪畫教育發(fā)展的幾十年里，繪畫的基礎課程一直是以素描和色彩為主，此外，還有課余時間的寫生練習，寫生的目的是為了鞏固基礎知識，是為了將來能夠更好地進行創(chuàng)作。教育內容一直沿用寫實主義的造型觀念，用寫實的方式再現(xiàn)客觀事物、表現(xiàn)客觀事物的真實性，導致高校學生的繪畫語言蒼白，缺乏創(chuàng)造力。當代藝術在自身標準缺失的同時，也在很大程度上影響了高校繪畫的教學內容。在教學過程中，高校教師一般會強調要避弊端及取長補短，即使是這樣，每位學生的繪畫作業(yè)也會因人而異，呈現(xiàn)出不同的表現(xiàn)形式。例如教師布置作業(yè)是油畫靜物，有的學生會用印象派的色彩、有的學生進行蘇俄式的寫實，還有的學生會使用浮世繪的平涂等，教師的教學內容和學生的繪畫作品徘徊在寫實與表現(xiàn)之間。另外，由于受教師授課內容和方式的限制，以及學生自身能力的限制，學生在學習過程中往往會不可避免地進行模仿，使學生自身的繪畫能力得不到充分發(fā)展。例如當代藝術家張曉剛的“大家庭系列”的單色平涂、曾梵志的“面具系列”和蔡國強的“煙火系列”等作品都成為高校教師教學內容，而這些藝術家的代表性的作品則成為學生學習和模仿的對象。
三、當代藝術市場的發(fā)展對高校繪畫判斷標準的影響
在高校繪畫教學中，通常都以分數(shù)的高低作為評價學生繪畫作品水平的高低標準。雖然不能以分論畫、以分論人，但高校一般都會用一個相對標準的要求評價和衡量學生的繪畫作品水平。例如教師一般從作品的構圖、色彩、線條和表現(xiàn)力等方面大致判斷學生繪畫的水平以及繪畫功底和學生對色彩、線條的認識。高校不排斥不抵觸當代藝術，而當代藝術在高校廣泛傳播的同時，也給高校教師對學生繪畫作品的評判標準提出了新的要求。在商品社會，依靠媒體宣傳和名人策略的方式對藝術進行推崇所發(fā)揮出的影響力是眾所周知的，這種對藝術作品的特殊運作方式會讓大眾對藝術的認識產生誤導。②現(xiàn)代藝術是一種內在的需要、是一種樂趣的展現(xiàn)，需要觀眾和學生真正領悟作品中真正的內涵和意義。現(xiàn)代藝術的表現(xiàn)形式由具象藝術和寫實藝術向非具象藝術和非寫實藝術發(fā)展，出現(xiàn)了立體主義和構成主義等新類型的表現(xiàn)手法，這就要求高校教育在對學生的作品進行評價時順應時代的發(fā)展和變化，欣賞每位學生的個性表現(xiàn)能力。四、當代藝術市場的發(fā)展對高校繪畫教育理念的影響當代藝術家在突出藝術形式的同時有意識地忽略自身的學院派基礎。縱觀我國藝術市場的發(fā)展可以看出，當代藝術由敘述性藝術轉向了觀念性藝術，呈現(xiàn)出類似表現(xiàn)主義和超現(xiàn)實表現(xiàn)主義等以自我表現(xiàn)為中心的新興表現(xiàn)形式。當代藝術的發(fā)生和發(fā)展不是以審美性為首要目的，它是在互反或對立的思路下來進行創(chuàng)作的，是為了充分表現(xiàn)人類精神上的矛盾性。在繪畫教學中，教師不能單純地從傳授繪畫技巧和方法的角度出發(fā)，要有培養(yǎng)學生理論水平提升和開發(fā)學生創(chuàng)造性思維的理念，為將學生培養(yǎng)成為藝術家打好基礎、做好引導。社會媒體曾集中討論過新興藝術的形式，各個媒體和社會公民對不同的藝術形式評論褒貶不一。當代藝術是經過很長的時間而形成現(xiàn)在的狀態(tài)，是在社會的綜合條件和作用下形成的。現(xiàn)代藝術具有一定的社會背景，高校繪畫教師要具備一定的分析能力，要正確引導學生對待和評價當代藝術的發(fā)展。
《禮記•樂記》論音樂起源時，則明確指出：“凡音之起，由人心也。人心之動，物使之然也。感于物而動，故形于聲。”在我們民族的審美心理結構中，是把宇宙境界與藝術意境視為渾然一體的同構關系，是一種生命形式，中國傳統(tǒng)音樂所表現(xiàn)的對宇宙境界的體驗就是一種生命律動的體驗，而音樂意境恰恰就是這種生命律動的表現(xiàn)。《樂記》的“音由心生”的觀點，則強調心的作用，重視內心感悟的審美取向，認為音樂意境本質上是一種心理現(xiàn)象，一種人類心靈的生命律動。中國傳統(tǒng)音樂在長期的發(fā)展中因獨特的審美取向，展現(xiàn)出優(yōu)雅美妙的生命弦律。在每一個社會、每一個歷史時期，音樂在各民族的日常生活中發(fā)揮著不可替代的重要作用。在中國古代，音樂是最為發(fā)達的一門藝術，是各門藝術的中心和源泉，因此《樂記》中的“物感說”既出，便成為包括“意境”在內的中國古代文論的核心范疇和主體精神。作為六朝時期卓越的文論家，劉勰主張“情以物興”，“物以情觀”，認為由感物抒情，必然會導致物情相觀，心物交融，基本提出了關于“意境”的概念和內涵。與劉勰同時期的詩論家鐘嶸，在《詩品序》篇首即講：“氣之動物，物之感人，故搖蕩性情，形諸舞詠。”鐘嶸論詩，極推崇詩的“滋味”，鐘嶸所說的“滋味”，指的就是詩的形象和感情。他除了強調“指事造形，窮情寫物，最為詳切”之外，更看重感情與形象的有機融合即意境的創(chuàng)造，這從他評論范云和丘遲詩作的見解中可窺斑知豹。劉勰和鐘嶸，一個論文，一個論詩，各自都承襲了《樂記》的“物感說”的觀念，可見《樂記》的“物感說”為“意境說”美學概念的提出做出了不可忽視的重要貢獻。中國古代的音樂一般是以追求幽婉深邃、淡泊含蓄，虛實相生和意象共存為最高藝術境界。在“意境”理論提出之前，中國的古琴音樂已經在作品中呈現(xiàn)出含有深刻意蘊的“意境”，特別是以山水創(chuàng)作作為題材并形成獨特“意境”的音樂作品要比文學與繪畫作品出現(xiàn)的早的多。如后世傳誦的伯牙與鐘子期的故事早在《呂氏春秋》和《列子•湯問》等文獻都有記載。《列子•湯問》說“伯牙善鼓琴，鐘子期善聽。伯牙鼓琴，志在高山。鐘子期曰：“善哉！峨峨兮若泰山！”志在流水，鐘子期曰：“善哉！洋洋兮若江河！”伯牙所念，鐘子期必得之。”《風俗通》亦說:“伯牙鼓琴,鐘子期聽之,而意在高山……傾之間,而意在流水”,“及其所通達而用事,則著之于琴以抒其意。”曲中表現(xiàn)“意在高山”“意在流水”“抒其意”,可見古琴是作為一種寄意的表現(xiàn)方式來到達人的精神境界。所以，中國古代及傳統(tǒng)的音樂意境的風貌完全可以從古琴這門藝術中找到闡釋。古琴藝術是一種儒道思想相互融合的藝術，在古琴音樂中既體現(xiàn)了儒家思想中的溫柔敦厚、平和雅正，又體現(xiàn)了道家思想中的順應自然、大音希聲與清微淡遠。古琴曲采用的是五聲音階，即“宮、商、角、徵、羽”正五音，而在《樂記》中的說法則為：宮為君，商為臣，角為民，徵為事，羽為物。這五音代表著儒家中和雅正思想在音樂上的落實，而琴樂中追求的清虛淡靜、深靜幽遠以及表達弦外之音的意境則為道家思想的體現(xiàn)。道家思想對于古琴音樂中意境的產生起到了非常重要的作用，影響也是頗為深遠的。古琴音樂中由于虛靜與深遠的相結合，體現(xiàn)的是一種無限和深微的境界。正所謂“弦外之音”“韻外之致”“味外之旨”，這種只能意會而不能言傳的境界乃是體現(xiàn)意境的最高層次。明末古琴家徐上瀛的《溪山琴況》中對于意境的描述如：“其無盡藏，不可思議。”；“琴中有無限滋味，玩之不竭”；“其有得之弦外者，與山相映發(fā)，而巍巍影現(xiàn)；與水相涵濡，而洋洋徜恍；暑可變也，虛堂疑雪；寒可回也，草閣流春。”“迂回曲折，疏而實密，抑揚起伏，斷而復聯(lián)，此皆以音之精義，而應乎意之深微也。”“深山邃谷，老木寒泉”；“山靜秋鳴，月高林表”；“松風遠拂，石澗流寒”；“山居深靜，林木扶蘇”。琴樂中體現(xiàn)出的“無盡”、“無限”、“深微”的境界以一種最少的聲音物質來表現(xiàn)最豐富的精神內涵，所以琴聲音淡、聲稀，琴意得之于弦外，正是言有盡而意無窮。陶淵明之“但識琴中趣，何勞弦音”，正是將琴樂之重意、重弦外之音的思想推至窮極的哲學思維。沈括評北宋琴僧義海為：“海之藝不在于聲，其意韻蕭然，得于聲外”。古琴是偏向靜態(tài)之美的藝術，因此彈琴要講求幽靜的外在環(huán)境于閑適內在心境的配合，方可追求琴曲中心物相合、主客和一的藝術境界。
在中國古代作為美學范疇的“意境”理論的形成和發(fā)展經歷了相當漫長的過程。魏晉南北朝時期，雖然這時的“意境”理論還未被概括出來，但在現(xiàn)實的藝術創(chuàng)作中早已出現(xiàn)了“意境”。清人潘德輿在《養(yǎng)一齋詩話》中對《詩經》進行評價說：“《三百篇》之體制音節(jié)，不必學，不能學，《三百篇》之神理、意境，不可不學也。”①由此看來，清人潘德輿認為《詩經》有意境的存在，并認同意境的重要性。魏晉南北朝時期美學思想中所出現(xiàn)的詩味說、言意論、形神論等都對意境理論的產生和發(fā)展起著重要的作用。特別是魏晉南北朝時期相當盛行的“詩味說”，以“味”論詩。如陸機在《文賦》中說:“闕大羹之遺味。”這是用羹湯遺留在嘴中的滋味來比喻詩文的藝術韻味。劉勰在《文心雕龍》中曾多次以“味”論詩文，他所說的“味”，與藝術的善于描述豐富與真摯的情感、表達言外之意等都有密切聯(lián)系。鐘嶸的《詩品序》中也強調詩歌要能達到“滋味”醇厚的目的，使人產生美感的余味要有“滋味”。②由此我們可以看出“詩味說”與“意境”理論有著密不可分的關聯(lián),事實上魏晉南北朝時期的“詩味說”確實為后來“意境”理論的孕育與發(fā)展做出了鋪墊。“意境”說的正式提出是在唐代，由王昌齡的《詩格》中開啟先河。
詩有三境：“一曰物境。欲為山水詩，則張泉石云峰之境，極麗絕秀者，神之于心，處身于境，視境于心，瑩然掌中，然后用思，了解境象，故得形似。”“物境”就是指詩人的頭腦中所產生的山水之境象。它是由主體對客觀景物的觀照而產生于實景之中的心物交融的一種境界。“二曰情境。娛樂悉急，皆于意而處于身，然后馳思，深得其情。”“情境”是作者內心感情體驗和生活感受之境。它是詩人用心靈觀照生活、體驗生活而產生的。“三曰意境。亦張于意而思之于心,則得其真矣。”“意境”是指詩人頭腦中的思想意識之境，是詩人內心深層的體驗并在體驗中發(fā)展與升華的界域。但這與后來的文論中提及以情景交融為基本內涵的意境是不同的概念，它側重于主體的精神狀態(tài)。皎然的《詩式》中多次提到境和境象等概念，可見他對意境理論進行過深刻的思考與探討，如“文外之旨”、“情在言外”、“采齊于象”，由于皎然受佛學影響，他所提出的境和境象與禪學是有一定關聯(lián)的。權德輿也明確提出了“意與境會”，這并不代表意與境的簡單結合，而是含有意境渾融，含蓄蘊藉和發(fā)人想象的意思。他初步概括了意境理論的基本特征。權德輿與皎然一樣，他的意境和禪宗學說有密切的聯(lián)系。中唐劉禹錫的詩論開始提到意境，他在《董氏武陵集紀》中說：“詩者其文章之蘊耶？義得而言喪，故微而難能，境生于象外，故精而寡和。”這個觀點的提出對“意境”論的創(chuàng)始起到了決定性的作用。劉禹錫的意境觀也受到禪宗境界說的影響，通常把詩和禪相提并論。晚唐司空圖在吸取前人“境界”說成果的基礎上，在的《二十四詩品》中提出各種境界，即如何創(chuàng)作出“雄渾”、“高古”等境界，比較深入地體會了意境的基本內涵，創(chuàng)造性的提出了“思與境偕”說，指詩人在創(chuàng)作審美過程中主客體之間的相互契合，創(chuàng)造出“意與境渾”境界的作品。對于境界理論的產生，佛學禪宗境界說可以說起到了推波助瀾的作用。目前雖然沒有較可靠依據(jù)認定王昌齡的“三境”說是否受了佛學境界理論的影響，但是，中唐詩僧皎然提出的“取境”“造境”“緣境”說則肯定來自佛教境界觀的啟發(fā)。皎然以后，雖然詩論家們對“境”的理解各有側重，但以“境界”論詩蔚為風氣。如唐人權德輿的“意與境會”（《全唐文•左武衛(wèi)胄曹許君集序》）；劉禹錫的“境生于象外”（《劉禹錫集》之《董氏武陵集紀》）；晚唐司空圖的“思與境偕”（《與王駕評詩書》）等這些唐代詩文人的觀點中來看，都或多或少受到過佛學思想的熏染和影響。宋代對意境理論的采用已經開始廣泛，對“意境”理論有所突破的分別是蘇軾、釋普聞、嚴羽等。蘇軾是繼承了司空圖關于“思與境偕”的思想，認為陶淵明的“采菊東籬下，悠然見南山”，是“采菊次之，偶見南山，境與意會。”③釋普聞在《詩論》中強調“意出于境，意與境合”，這也是對于境界論的一個頗有價值的說法。
釋普聞釋意境為“境意”，說：“大凡但識境意明白，覷見古人千載之妙，其猶視諸掌”。④這把意境看作是評判詩歌成功與否的最科學的審美標準。南宋嚴羽指出：“詩者，吟詠情性也。盛唐諸人惟在興趣，羚羊掛角，無跡可求。故其妙處瑩徹玲瓏，不可湊泊，如空中之音、相中之色、水中之月、鏡中之象，言有盡而意無窮”⑤。嚴羽的相關論點提出標志著意境說基本思想的成熟，同時也說明我國古代的意境說的興衰更替是有跡可循。清末民初的王國維是意境理論的集大成者，他繼承發(fā)展了古代詩歌理論的意境說并在《人間詞話》中發(fā)揮盡致。使人們對“意境”理論的審美特征有了更深刻、更全面的認識。在美學理論體系中，現(xiàn)代有關的“境界”理論首創(chuàng)于王國維，而王國維也是第一個將王昌齡作為藝術理論的“意境”提升到人生意義視域層面的“境界”論的第一人。王國維強調：“詞以境為最上。有境界，則自成高格，自有名句。”“境非獨謂景物也，喜怒哀樂，亦人心中之一境界。故能寫真景物、真感情,謂之有境界。否則謂之無境界。”四“意境”是我國傳統(tǒng)美學中的一個重要研究范疇，它具有醇正而又濃郁的中國特色，充分體現(xiàn)了中國的藝術精神與審美特征。它有著源遠流長的衍變過程，它的生成與完善得益于中國傳統(tǒng)哲學的影響和中華民族的審美創(chuàng)造。“意境”也是藝術家在藝術作品中表達藝術內涵與抒發(fā)內心情感所追求的最高藝術境界，是通過藝術作品使欣賞者充分發(fā)揮想象與聯(lián)想，使其身臨其境，在思想感情上受到強烈感染的一種藝術效果。對于在一部優(yōu)秀的藝術作品中“意境”進行成功的塑造，能夠使情與景、意與境、物與我、情與理、形與神等因素和諧地交融，從而塑造出鮮明生動的藝術形象，作品也得以產生出強烈的認同感與感染力。中國古代的藝術創(chuàng)作和藝術作品，無論是音樂、舞蹈、繪畫、書法還是詩歌，都是以創(chuàng)造一種具有深刻內蘊的、融合和諧元素的“意境”為其基本特征，并以此為最高審美準則。
把藝術從體制的角度進行考量，打破藝術的純粹性，這一存在了相當長時間的美學幻象，是社會學家們的目的，他們將藝術作品和藝術現(xiàn)象置于時代的文化社會背景中，注重藝術在生產、傳播、消費和分配過程中所涉及到的制度、行為和各種權力關系，不再單純的把藝術看作是純粹的美學或單純的關注藝術的本質屬性。柏拉圖很早之前就認為：“藝術具有其社會責任，就像其他的源泉或病態(tài)的源泉一樣，必須在社會生活的整體架構中找到其理性的位置。”藝術作為世界觀產生體制。從體制觀念來看，藝術體制的核心要素在長期的歷史發(fā)展中形成的，某一時期占據(jù)統(tǒng)治地位的藝術觀念或美學理論；而這種觀念是定型化的，是普遍的慣例。從體制的作用來看，核心要素既可以與藝術活動的行動者相互協(xié)作，還可以幫助社會規(guī)范個體行為，從而整合各種資源和力量，推進藝術發(fā)展。因此，從社會學角度來看，藝術體制就是“維持藝術生產和藝術獨立地位的社會機制，包括藝術贊助人、贊助機構、藝術生產組織、藝術院校、藝術場館、藝術刊物以及當代的藝術企業(yè)、大眾媒體等。”
二、藝術體制理論之源
二十世紀五六十年代以后，西方藝術開始求新求變，這種轉變速度之快、角度之大，讓觀賞者震驚。藝術不再只是傳統(tǒng)的美學精神，從杜尚的現(xiàn)成品、沃霍爾的波普藝術、約翰•凱奇的“無聲音樂”到奧蘭的“整容”行為藝術，這些與傳統(tǒng)的藝術大相徑庭，打破傳統(tǒng)藝術美學意義上的中規(guī)中矩，轉而以千奇百態(tài)的現(xiàn)代及后現(xiàn)代藝術實踐，劇烈地沖擊著人們對于傳統(tǒng)意義上的藝術理解。這些新的藝術實踐促使人們開始質疑習以為常的藝術常規(guī)，反思藝術的本質。在這種轉變中，人們對藝術產生了各種爭論：有人認為強化觀念弱化審美的現(xiàn)當代藝術是在虛張聲勢、嘩眾取寵，本質是利用藝術的哲學化外衣掩蓋其粗制濫造、胡亂剽竊行為；也有人認為這種后現(xiàn)代藝術的興起是藝術界利益機構聯(lián)手精心炒作出來的藝術泡沫而。在這種后現(xiàn)代藝術大潮的沖擊之下，既有的藝術理論已經遠遠無法滿足人們的需要。到底何為藝術？何為藝術家？藝術與非藝術的界限何在？這些問題在眾多亟待辨識和闡釋的藝術作品面前顯得急迫而重要。在傳統(tǒng)藝術理論遭遇沖擊的情況下，藝術體制理論或稱藝術界應運而生。面對現(xiàn)當代藝術，藝術哲學家們開始重新審視藝術的定義。美國社會學家霍華德•貝克說：“當舊的美學理論無法充分闡明已被相關學術界中具有豐富知識的成員所接受的藝術品的優(yōu)勢時，新的理論應運而生，與過去的理論相抗衡，并對其進行擴充和修正。當一個既定的美學原理不能使作品在邏輯上合理合法、而此作品卻已然通過其他方式取得了合法地位時，總會有人構架起一個能使之合法化的理論。”受到這一啟發(fā)，20世紀60年代，藝術哲學家們在美學內部開啟了從藝術和社會情境之間的關系出發(fā)，探討藝術品的資格問題。
三、合作與沖突
早在19世紀，就有了從藝術體制來分析研究藝術的雛形，許多歷史學家也加入了這樣的討論。他們通過考察藝術與社會環(huán)境的關系，強調社會制度、時代精神、地理環(huán)境、自然氣候以及種族和宗教等外部因素對于藝術風格、內容、形式和藝術流派的影響，同樣的，后者也會反過來反映和影響前者。馬克思曾提到藝術是一種掌握世界的方式，“當它在頭腦中作為思維的整體出現(xiàn)時，是思維的頭腦的產物，這個頭腦用它所專有的方式掌握世界，而這種方式是不同于對世界藝術的、宗教的、實踐精神掌握的。”在這里，馬克思已經將藝術提升到世界觀的高度，明確了藝術和哲學、宗教等內同樣作為意識形態(tài)和方法論的思想地位，主張藝術品反映社會階級關系，正是社會階級關系馬賦予藝術品美學形式和內容。受馬克思的藝術主張影響，一大批藝術學者們將藝術品與藝術家的生活研究結合起來，從中分析社會階級結構及生產經濟模式，這一主張成為藝術社會學研究的新標準。與此同時，對于藝術體制的經驗社會學研究也開始展開。將藝術的關系屬性理論展開并加以分析的第一人是美國的哲學家、社會學家阿瑟•丹托。與的藝術社會史不同，丹托回避常規(guī)的審美評價和審美內容并對價值判斷保持一定的疏離，他更注意公眾在行為和體制上的藝術實踐。雖然藝術界理論注重了藝術作品與社會語境之前的關系，但從另一個方面說，它也在哲學話語的框架消解了激進思考的可能性。布迪厄從“藝術界”理論出發(fā)又不局限于此，而是用社會學方法建立了一整套分析“藝術制度”的理論。他通過將審美判斷的特殊性、藝術品的意義和價值等美學問題放到“體制”中思考，從而為社會文化活動提供了堅實的社會學基礎。貝克則認為，無論是藝術品的價值還是藝術家的成就和聲譽，都需要通過“藝術世界”獲得，這源于藝術家的具體行為，也是藝術世界各類行動者的集體作用的結果，他向我們說明，藝術的審美和藝術家的地位并不是天生的、自然的，而是需要藝術世界的運作，因而打破了傳統(tǒng)美學的中的藝術幻象。
四、結語
