發布時間：2023-09-26 17:58:35
序言：寫作是分享個人見解和探索未知領域的橋梁，我們為您精選了8篇的攝影藝術的類別樣本，期待這些樣本能夠為您提供豐富的參考和啟發，請盡情閱讀。
關鍵詞： 電影 攝影 構圖 色彩 光線
攝影不僅是電影藝術的重要組成部分，而且對于電影藝術起著決定性作用。導演的藝術追求、藝術構思、藝術創造，演員的精彩表演，美術各環節（布景、服裝、化妝、道具、燈光、煙火等）無不通過攝影得以具體呈現。可以說，沒有攝影，便沒有電影藝術。從某種意義上甚至可以說，電影之“影”就是攝影藝術。因此，把握電影攝影藝術的審美特征與藝術要素，對于整個電影藝術創作，既具有重要的理論思考價值，又具有實踐參考價值。
具體而言，電影攝影的特征與要點，主要包括以下三大方面。
一、構圖
眾所周知，電影藝術是鏡頭藝術，或稱畫面藝術，而鏡頭與畫面的要點就是構圖。
所謂“構圖”，原是繪畫藝術的重要語言，指的是依據一定的美學原則和題材、主題、風格的要求，在平面上布置、安排所要表現的物象的各個部分與各種因素，使之成為一個完整的藝術畫面和藝術形象。也可以說，構圖就是畫面的結構。電影藝術作為畫面藝術，同樣講究構圖，只不過它的構圖是動態的、變化的。構圖在電影中占有重要地位，美國電影理論家波布克在其所著的《電影的原素》一書中指出：“沒有一個導演會以漫不經心的態度來對待畫面構圖。整部影片的構圖往往取決于電影導演在構圖上的眼力。”而攝影的構圖則是導演構圖的具體體現。電影攝影構圖的要點，有以下幾點：
1.構圖的要素。電影的構圖要素，分為主體、陪體、環境三部分：主體是畫面的主要表現對象，處于中心位置；陪體是與主體構成一定關系、作為主體的陪襯而出現的對象；環境是圍繞主體與陪體的景物，包括前景、后景兩部分。
2.構圖的類別。構圖的類別也稱“景別”，包括全景、遠景、中景、近景、特寫等。
3.構圖的攝影方式。包括攝影焦距（標準鏡頭、長焦鏡頭、短焦鏡頭、變焦鏡頭等）、攝影方法（推、拉、搖、移、跟、降、升等）、攝影角度（平視鏡頭、俯視鏡頭、仰視鏡頭等）。
4.構圖的風格。電影攝影的構圖，分為封閉式構圖與開放式構圖兩種風格。封閉式構圖強調畫面的風格化設計，主體、陪體、環境的安排較為嚴謹，達到均衡、對稱、穩定的視覺效果。銀幕似乎就是繪畫的畫框，所有的藝術信息都容納于其中。例如電影大師伯格曼的電影畫面構圖，就具有封閉式構圖的藝術風格。而開放性構圖則不講究畫面的位置經營，構圖比較樸實自然。
5.構圖的流派。電影畫面構圖又分為兩大流派：一種是繪畫派，又稱作“構成派”，顧名思義，這是借鑒繪畫藝術的構圖原則，追求畫面的造型感、完整感、視覺感、繪畫感的流派。例如影片《黃土地》、《黑炮事件》等，都屬于繪畫派構圖。另一種是幻實派，該派強調畫面的真實、自然、生活化，主張在運動中捕捉對象，在實拍中造型，具有鮮明的現場目擊感。例如影片《偷自行車的人》、《一個都不能少》、《秋菊打官司》等，都屬于紀實派構圖。
二、色彩
色彩是電影的亮點之一，也是電影攝影的重要藝術元素。馬克思曾指出：“色彩的感覺是一般美感中最大眾化的形式。”（陳兆金主編：《藝術鑒賞學導論》）前蘇聯愛森斯坦編劇、導演的影片《戰艦波將金號》中，在黑白片中增添了紅旗，成為引人矚目的藝術亮點，開了彩色影片的先河。彩的出現，更使色彩成性為電影重要的藝術元素，也成為電影攝影的重要藝術語言。電影攝影彩色的要點，有以下兩點：
1.以色彩營造基調。色彩基調是指色彩在畫面中所表現出來的總的傾向與風格，它既是視覺造型，又是情緒氛圍，既是色調，又是情調，甚至具有某種隱喻性、象征性、傾向性內涵與意蘊。例如《黃土地》中的黃色基調、《紅高粱》中的紅色基調，都有深刻而動人的內涵與意蘊。
2.以色彩形成構圖。色彩常常作為畫面構圖的組成部分，例如影片《小花》中，其色彩基調是鮮艷明朗的暖色調，但其中的回憶畫面則運用灰暗的冷色調，給人以“老照片”的感覺，形成鮮明的對比。
三、光線
【關鍵詞】攝影技術;油畫創作;聯系與影響;創新發展
現代光影成像技術的開發，推動了攝影藝術的發展。運用各種生活素材為載體，傳達主體特定的思想情感活動，是攝影藝術再現功能的泛化。油畫是繪畫藝術中常見的藝術表現形式。油畫創作是綜合多種線條、色彩和形體等藝術造型因素，通過造型、設色和構圖等藝術手段，塑造靜態視覺形象，表達作者審美感受的藝術創造過程。
攝影與繪畫同屬于藝術的范禱，具有相通的審美特征，二者通過物質材料媒介，用形體構成、色調選配、和明暗對比等藝術手段從生活中截取典型形象，實現平面視覺藝術的直觀表達，隨著現代攝影技術的不斷研發，攝影藝術的完美寫實再現功能，從一定程度上來說，深化了繪畫藝術特別是油畫創作的影響。本文結合攝影與油畫藝術的聯系特點，闡述了攝影技術對油畫創作的關系。
一、攝影技術與當前油畫藝術的聯系:
1具有相通的審美特征
在藝術形態的分類中，攝影藝術和油畫藝術既都是視覺空間藝術的類別;又同屬于再現性造型藝術的范疇。二者在藝術特征上同樣具有造型性、視覺性、空間性、靜止性、瞬間性特點。
2具有協調的視覺空間
攝影和油畫本來都屬于平面造型表現，借助光影、色調、線條和構圖的變化效應，通過平面描繪形式，熔鑄了自己對生活的思考和創作靈感，表現物象的空間立體感。
3具有瞬間的生活表現
攝影和油畫藝術表現，都需要針對生活中的典型素材進行瞬間捕捉，把要表現的內容，選擇一定的空間，用物化手段凝定下來，構成具有完美精神風貌和本質意義的藝術形象。
4具有統一的物象并列
作為平面造型藝術，攝影和繪畫都可以把彼此交錯的物象、形態和景象，通過造型、色彩、構圖的形式在平面上直觀并列地展現出來，構成和諧統一的完美整體。
二、攝影技術對當前油畫藝術創作手段的影響
攝影和繪畫藝術的發展，都需要借助一定形式的創作手段去實現，作為一種藝術表現形態，油畫創作就是藝術家運用油畫材料，通過多種藝術手段綜合體現的藝術形式，攝影技術的發展，豐富了油畫藝術創作的色彩、明暗、肌理、質感、光感與空間等造型因素。
1攝影技術的運用，減縮了寫生手段的繁雜化
油畫藝術的審美再現，首先取決于創作者運用寫生手段，對所要表現的物象進行長時間的觀察與取舍，把其形象依照嚴謹的構圖方式初步表現在草稿上，然后再進行具體的刻畫描繪。而現代攝影技術快捷的再現功能，為油畫創作提供了相當寫實的物象造型資料，省略了相當多的寫實活動。相對來說，攝影技術的運用減少了油畫創作寫生過程帶來的麻煩。
2攝影技術的運用，促進了繪畫材料的廣泛化
材料是藝術家內心表達的媒介，是視覺傳達的載體。攝影和繪畫所使用的物質媒介材料存在著很大的差異。攝影藝術是科技文明的產物，而油畫所用的媒介材料是油畫顏料、畫筆和畫布畫質等材料。攝影技術的發展，促進了越來越多的新材料以新的形式和新的表現方法應用于圖像藝術。同時也為油畫藝術創作材料的開發及綜合運用，提供了無限的發展空間，油畫材料也由傳統的布、紙、木、石、顏料、漆油、木板等拓展到金屬、纖維以及任意的現成物品。隨著時代的發展，繪畫制作條件和工具材料逐漸廣泛化。
三、攝影技術對油畫藝術表現形式和創作觀念上的影響
油畫是繪畫藝術中常見的藝術表現形式。油畫創作是綜合多種線條、色彩和形體等藝術造型因素，通過造型、設色和構圖等藝術手段，在平面基礎上塑造靜態視覺形象，以表達作者審美感受的藝術加工形式創造過程。攝影技術對油畫藝術的創作影響如下:
1 促進了油畫創作風格在思想上、形式上的多元化發展
油畫風格是指體現畫家生命特質和審美傾向的油畫組織秩序與品質。具體受畫家生命特質的穩定性，畫家審美傾向的社會性與變化性等因素影響。在現代文明高度發展的當代視覺藝術中，攝影技術圖像給人們帶來的圖像化審美形式已經成為時代特征。與此同時，新一代畫家采用自由、開放的觀察方式，引進一系列比如剪切、近焦距、取景框架、序列性等攝影技術，在油畫創作過程中不斷注入自己的創作思想與個性情感，體現了當代油畫最顯著的多樣性和多元化特點。
2 改變了油畫藝術對文化符號圖像的獨創形式
攝影作為一種利用機械科技來記錄視覺畫面的方式，一經產生便預示著圖像時代的到來，深刻地改變著人類的精神生活和思維模式，攝影技術從誕生由一開始對繪畫圖形及文化符號的借鑒，逐漸發展到現在繪畫不斷直接或間接地挪用越來越科技化的攝影圖像，改變了油畫繪畫藝術對人類文化符號及圖像創制的再現、記錄、敘事、宣傳等諸多固有功用，借鑒攝影技術中對于視點、尺寸圖像分割法的油畫創作，呈現時空、觀念和風格的集合，標志著當代油畫已進入了圖像化的時代，當代油畫與攝影圖像的結合在表現技法上趨向融合。
3 衍化了油畫藝術對攝影技術記錄性功能的借鑒
油畫是建立在對現實客觀事物內在本質與規律基礎上的模仿和再現，是記錄具體物象的重要手段和方法，攝影技術的運用，生成了油畫創作手段自身的物象再現功能的弱化，攝影技術對物象的快捷性記錄方式，對油畫創作藝術的再現功能提出了嚴峻挑戰，油畫藝術是按照一定的審美法則及創作規律，通過對物象的線條、色彩、形體、構圖、肌理等創作要素的組合，塑造物體形象，它具有不可重復的特點。
而攝影技術則可以運用科技材料針對物象的造型進行機械性復制。同時，攝影技術的發展與運用，能夠為油畫創作提供可觀的創作資料和素材，從一定程度上來說，油畫藝術，是對攝影記錄性功能的借鑒。
結束語
現代科技的發展，推動了攝影藝術在社會生活領域的滲透，并以紀實功能和成像快捷的優勢，發揮著重要社會功能，攝影與繪畫之間的相互關系正發生著深刻的變化。在新的歷史條件下，兩種藝術形態的交融互動，將是一種長期的文化現象，這已成為當代藝術創作發展的必然趨勢。堅持科學的發展觀念，實現攝影與繪畫藝術的共同融合，是現代藝術創新發展的需要。
參考文獻
第二十四屆全國影展高手云集、精品薈萃，所遴選出的佳作，不僅代表著時下的攝影藝術水平，更代表時代風貌，因此，歷屆國展的征集及評選工作都會慎之又慎。
近幾年，攝影器材的普及與科學技術的發展，使攝影愛好者數量迅猛增長，中國經濟與社會的高速發展，也使攝影領域不斷產生新事物、新形勢。本屆國展為了順應影像藝術的發展變化，提高投稿作品質量，保障評選的公平、公正、公開，針對征稿與評選環節采取了一系列新的舉措。例如，在征稿方面，限量投稿杜絕了過去曾出現過的個人“海投”現象，有效提升了作品質量；此外，新增設的多媒體類別，把攝影與音視頻的嫁接引入到攝影的大概念中，可謂與時俱進。在評選方面，首先大幅度增加了評委人數，使評選更加公正客觀，同時，所有中國攝協的駐會負責人均不參加評選工作，評委的組成完全實行專家制，避免了行政干預的可能；二是終評進行網絡直播，將評選過程透明化，廣泛接受社會監督；三是評委從初評到終評都只參與本類別評選，保障評選的權威性、專業性以及評委意見的獨立性；四是設立監審、觀察員制度，現場隨時監督批評并提出建設性意見，構成制約機制。
這些措施充分總結了往屆比賽的經驗，努力做到公平、公正與公開，為投稿者提供開放、平等的舞臺。在這個前提下，我們看到的獲獎作品更加客觀地代表了當前國內攝影藝術的審美標準和價值取向。最終，藝術類獲獎作品整體上更加追求形勢感與抽象的統一，符合風光大片時代后的精神回歸訴求；紀錄類獲獎作品以專題與組照居多，故事性和思想性均有所提升；商業類獲獎作品依然追求技法表現，唯美、準確、創意仍占主導；當然我們最該關注的是國展中首次出現的多媒體類，這種形式里，聲音語言和鏡頭語言彼此互為補充又互相削弱，動態視頻的引入增強了單幅作品間的聯系，但減弱了單幅作品的力量，因此整體性和獨立性之間的權衡成為決定多媒體類作品品質的重要因素。
雖然每個類別的評選相互獨立，但我們還是看到了一些共性，這些作品不僅具有突出的美學觀念，更具有強烈的思想性和時代感。藝術創作需要百花齊放，審美標準很難簡單地一刀切，但是比賽必須要做到公平與公正，唯有如此，所評選出的作品才會具有公信力，才能真正鼓勵優秀的藝術創作者。
攝影的繪畫性追求概念
攝影，在某種程度上講，只是光線照射到事物上表面上的反映，然后在通過相機上的鏡頭反射到某種材料上，在通過顯影、定像等一系列后期處理方式，得到某種物質的影像，由于時代的進步，數碼攝影時代逐漸取代了傳統的攝影時代，照片的后期處理及獲取方式不再像以前那樣復雜。繪畫，它在某種意義上講，是畫家用畫筆在畫布或者墻壁勾勒出來的畫作，利用顏色、畫布等工具，形成一個平面的畫作，用這樣的方式方法記錄下人或者事物的某種影像，其實以上所說的，不管是攝影也好，還是繪畫也好，都是有著相同的本質的，但是在相同的本質上也存在著一定程度上的區別，攝影，是我們人類在藝術領域中不斷發展和研究出來了新型的藝術形式，它結合了繪畫領域中的藝術形式，和繪畫相互借鑒、相互融合，兩者的完美融合滿足了人類對生存質量的需求，也滿足了這個時展的需求。
攝影，是繪畫和其他藝術形式相互融合的產物，在我國的逐漸發展中，有很多年輕人選擇從事了攝影事業，但是想要把攝影事業想要發展到人生事業的頂峰并不是那么容易，在很多攝影工作者后期的工作當中，努力的將攝影和繪畫想結合，將繪畫的藝術表現形式應用到攝影藝術的表現形式，盡管這樣在整個工作中有很大的難度，但是在事物呈現的精準性上多攝影工作者還是有很大的吸引力，這對我國在攝影領域發展中打下了堅實的基礎。
攝影與繪畫的時間性
畫家在完成一幅完美的畫作的過程中，需要大量時間作為基礎，并且還需要和畫家，顏料等長時間為伴，這樣就對人或事物在長時間的記錄造成一定程度的局限性，長期保持一種狀態，人或事物在長期的時間保持某一種形態，這樣不僅使事物難以保持新鮮的程度，也對人在保持一種形態時造成了一定的壓力，但是，攝影是完全不同的，它對人或事物的記錄完全打破了繪畫上的時間性的限制，大大節省了時間，也更加對人和事物的記錄有著一定程度的準確性，并且，也可以從多種角度記錄人和事物，減少了時間的長度，從而使工作量有效的提高，使我們在利用攝影這項技術在記錄任何事物時，更加有直觀性，也有利于長時間的存放。
畫家通過各種工具在畫布勾勒出表現形式，盡管攝影這門藝術和繪畫有著相同的特點，但是在本質上還是有著區別的，它在極短的時間記錄最準確的影像，大大減少了時間上的局限性。其實，不管是繪畫，還是攝影，都是在記錄人和事物在某種時間的形態，兩者的區別只是記錄時間的長短，以及記錄的方式不同。
攝影中的透明性
人們在欣賞一幅畫作的時候，由于繪畫中的某種特性的存在，這是欣賞者在欣賞畫作是的一個警鐘，使人們時時刻刻能夠分辨出真實和畫作的不同之處，然而攝影卻是有很大不同的，當攝影工作者按下相機快門記錄的那一瞬間，便對人和事物的記錄存在了一定程度的準確性，使觀看者和被記錄著的距離逐漸的縮短，這些的變化，可能攝影工作在工作的整個期間都是沒有感覺到的，攝影，從另外一個角度來說，也是反映人們真實的生活，呈現給人們更加直觀的影像，使影像更加貼近人們日常生活中的實際情況，同時，讓人們的生活更加透明化。
我們常說的透明性，有很大的部分是和作品的清晰度有很大的關系，人們在評價一幅畫面的真實感使，畫面的清晰度是給人們最主觀的感覺，如若不然，就會染發欣賞者在欣賞畫作時帶來模糊的感覺，對畫面的真實性產生了懷疑，攝影藝術的產生解決了這一問題，但是也有人反對這一觀點，看上去最清晰的影像，并非是最真實的情況，所以，在攝影工作者在記錄影像的過程中，不能只追求影像的清晰度，更有注重它的透明性，這樣才能使欣賞者和現實生活不會有陌生的感覺產生，拉進來人們與現實生活的距離，使照片更加有真實感，更加透明化，記錄人們在日常生活的點點滴滴，同時，也為我國在攝影藝術發展中加入了新的理念，更為我國走向世界奠定了基礎。
結束語
關鍵詞：數字媒體技術 藝術設計 創意
中圖分類號：TP37 文獻標識碼：A 文章編號：1674-098X（2014）10（c）-0025-01
iPhone、iPad等科技產品的出現，很快將我們從發展初期的“拇指文化”帶到“觸控”時代。她們的出現表明技術在不斷創新，科技不斷刺激著我們的感官，人們對審美的要求也被刺激的多樣化，實際上在人們的審美、感官受到科技刺激的同時，我們已經將數字媒體技術融入了藝術設計領域。運用數字技術來表現設計師的藝術靈感，在創作過程中設計師將閃現的藝術靈感用數字媒體技術來表現。
1 藝術設計領域中數字媒體技術的特征
單純通過視覺形式表達意圖的傳統藝術形式如油畫、版畫、雕塑等的創作方式非常不同于運用數字媒體技術的藝術創作。我們可以這樣來理解運用了數字媒體技術的藝術設計：將數字媒體技術作為藝術創作的輔助工具，革新藝術設計行為方式，它是與傳統藝術的創作手段有極大區別的新型藝術形態。數字媒體技術與藝術設計的融合，究其根源是科技的發展為我們提供了更加快捷、方便的記錄藝術創作過程的手段。
藝術設計過程加入了數字媒體技術后主要有如下特征。
1.1 普通大眾也可參與到藝術創作中
傳統藝術家需要具有扎實的藝術功底和與眾不同的創意才能創作出優秀作品。但科技的發展讓普通大眾也有機會深入的了解到了藝術，藝術設計運用了數字媒體技術將藝術門檻降了下來，普通大眾不斷接觸并融入當代藝術創作中。如攝影藝術，傳統藝術家要經歷長時間訓練才能掌握暗房技術，并且對光的運用要有很好的拿捏，修改照片過程更要求藝術家對前期拍攝的底片進行第二次創意發揮，這是一個具有獨創性的創作方式。但數字媒體技術的發展極大地沖擊著攝影藝術，數碼照片處理軟件能夠模擬并創新暗房效果，使攝影藝術變得不再神秘。數字媒體技術的運用使得普通大眾也可以參與藝術創作，藝術不再是少數人的舞臺。
1.2 較強的虛擬性
虛擬性主要體現在運用數字媒體技術構建虛擬場景表現設計師的創意思維，在虛擬場景中有助于設計師宏觀把握設計作品并可很容易的判斷取舍。數字媒體技術是當代藝術設計的輔助工具，那誰又能來表現數字媒體技術呢？當然是類似于App中的各種應用軟件了。軟件是數字媒體技術實際表現形式，它在藝術設計創作中扮演著重要角色。
2 數字媒體技術在藝術設計領域的應用分析
藝術的根本源于人們的性格、情感和思想的即時表達。而技術無法將性格、情感和思想完全淋淋盡致的表現出來，這樣就造成藝術本源的脫離，我們要用審慎的眼光來平衡數字媒體技術與藝術設計，不能將自己的藝術作品變成技術的盛宴。
俄國作家列夫?托爾斯泰說：“在自己心里喚起曾經一度體驗過的感情，并且在喚起這種感情之后，用動作、線條、色彩，以及言詞所表達的形象來傳達這種感情，使別人也能體驗到這同樣的感情―― 這就是藝術活動”。
2.1 藝術創作中數字媒體技術被過渡依賴
西奧多?羅斯扎克在《信息崇拜》一書中闡述：信息被認為與傳說中用來紡織皇帝輕薄飄逸的長袍的綢緞具有同樣的性質。看不見、摸不著，卻備受推崇……軟件如同過于缺乏主見的皇帝一樣，已被披上了各種華而不實的外衣。電影《變形金剛》中的動畫角色全部運用計算機軟件設計制作，每個角色都非常逼真且極富質感。人們的思想和感官被這種環境效果極大的影響和刺激著，一定會有大批的崇拜者想成為電影中的角色，享受逼真的虛擬環境。我們千萬不能迷失于華麗的技術，純技術的產品和藝術設計中加入技術所設計出的作品是完全不同的，數字媒體技術是我們藝術創作的輔助。過于依賴技術將導致設計的藝術作品缺乏獨特的藝術理念和豐富的表現形式，更不具備設計靈魂。
凡事都具有兩面性，數字媒體技術與藝術設計當然也兼具利弊。傳統藝術家創作前必定進行了大量的深入思考與積累，等到藝術靈感閃現時才開始創作。而利用數字媒體技術進行藝術設計的創作者往往有別于傳統藝術家，不一定非要等到設計思維成熟了才創作，而是可以邊構思邊運用軟件將自己的靈感呈現出來。設計師過渡依賴、高頻率的使用軟件，會導致喪失自己的獨立思考能力，且自己的思維經常受制于軟件的某種特效，使自己的創意不能被完整表現。
2.2 藝術設計作品越來越同質化
當代世界日漸趨同，失去了豐富的多樣性，這源于數字程度極高的社會以互相協同工作的管理理念，把包括人在內的客觀世界作為操縱和戰勝的對象。這樣會將所有不符合標準的內容過濾掉，將扼殺藝術創作的多樣性和獨創性。在傳統藝術作品與當代藝術作品的對比中會發現，傳統藝術作品上能看出藝術家創作的心路歷程，會發現每一條肌理那么的自然且富有個性，而過渡運用數字媒體技術的藝術作品會讓我們感覺更像從流水線上生產出的標準產品，同質性很強，缺乏生機且呆板。
我們要清晰的認識藝術的本源，我們的創意、思想不要被技術所束縛，科學技術的發展是對我們有幫助的，但絕不能讓我們主觀情感受到科學技術的限制，藝術世界的關鍵任然是創意和思想，不要完全依賴技術。我們并不是反對技術本身，而是反對過分的崇尚技術，設計師千萬不要忘記技術只是用來表現藝術的輔助工具，不要過于迷戀豐富的功能軟件技術，將技術作為藝術創作的全部。不管哪種藝術設計類別，它的創作過程都要以設計師的創意、思維為中心，應用數字媒體技術的藝術設計亦是如此。我們應回歸到藝術創作的本源，拋棄完全依賴技術的想法。數字媒體技術作為當代藝術設計創作中不可或缺的助手，若要使其發揮積極作用，重中之重在于設計師應當作為數字媒體技術的領導者，以展現我們的創作靈感、思維為目的，合理的運用技術，發揮人的獨立思維能力，創造具有全新設計理念的、與眾不同的、且具有靈魂和感情的藝術設計作品。
3 結語
科技的發展極大的影響著藝術設計領域。數字媒體技術為藝術創作提供了簡潔的藝術表現過程及方法，使藝術設計趨于大眾化，但在藝術設計領域我們絕不能完全依賴技術。優秀作品的問世主要源于設計師的過人藝術功底、創意思維，并兼據數字媒體技術的純熟運用。
參考文獻
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當代藝術中的攝影
上個世紀藝術界發生了非常重大的轉型，即我們現在所謂的“當代藝術”的出現改變了藝術的定義、定位及定性。當代藝術之于傳統藝術而言，不僅是被拓寬、被延展，更打破了之前的藝術格局，使藝術與人、與世界發生了新的關系、產生了新的意義。很多傳統藝術語境中與藝術無關的東西例如現成品、行為、文案也可以被納入當代藝術行列，而很多單純的傳統繪畫形式在當代藝術中卻被質疑它的藝術性。亦即材料手法已經不能夠成為判斷藝術性的依據，當代藝術更重表達、意義、思考、創造、觀念。
攝影是當代藝術發生發展到一定階段才被廣泛使用和認可的，它在當代藝術語境中，歷經了為其它藝術媒介充當記錄工具，到獨立成為藝術創作手段的過程。
被稱為當代藝術之父的杜尚有兩件著名的作品，一件是具有時代意義的，名為《泉》的小便器，我們現在通常看到的這件作品的圖像是由攝影教父施蒂格里茨所攝；另一件是杜尚扮成女人的樣子的照片，由現代攝影大師曼雷拍攝。第一件作品中攝影的功能僅是將現成品如實記錄，用于印刷和傳播，攝影本身并不具有觀念意義。第二件作品貌似是一件攝影作品，但其實攝影在這里也不過是杜尚的觀念或行為的記錄，所以，杜尚這兩件作品的圖像雖然有名，但鮮有人知道是誰來拍攝的。施蒂格里茨和曼雷雖然都是攝影史上赫赫有名的大師，但從來不會將這兩張照片認作自己的藝術作品，因為，創意人不是自己。從此攝影開始有了新主人，即作者不再一定是那個拍攝的人而是創意的提出和規劃者。
上世紀中期，觀念藝術日漸活躍，波普藝術的代表勞森伯格和安迪沃霍爾等人相繼在自己的作品中有意識的利用攝影來完成想法和觀念，但此時的攝影充其量只能算是藝術家們創作手法的補充和利用。攝影不會作為獨立而完整的當代藝術形式被關照或被審視。
攝影自1839年被發明，其本身的發展歷史一直平穩而有序，它不斷的受科技的發展而豐富。在攝影被納入當代藝術之前，已經足夠精彩和創意百出了。而有了觀念至上的當代藝術的加持，攝影既是其它媒介的輔助記錄工具，又能獨立完成創作任務，亦有更多時候是無法分辨和定位。
直到上世紀后半葉，開始有越來越多的攝影作品在重要的當代藝術大展中獲獎，各大博物館也開始展示、收藏攝影作品，預示著攝影作為獨立的藝術手段，真正被當代藝術界認可了。例如1972年阿勃絲作為第一位美國攝影師參加了威尼斯雙年展；貝歇夫婦的攝影作品在1990年威尼斯雙年展中斬獲金獅獎。
當代藝術中的攝影創作方法
攝影從發明之初，為了爭取藝術地位，便動用了各種攝影制作和創作方法：蛋白、濕版；拼貼、暗房合成；擺拍神話故事……數字時代的今天，因著攝影對器材和科技的依賴，攝影面臨著比其它藝術媒介更要經受科技發展變化的考驗，相應的，攝影創作方法、攝影教學方法都隨時需要變革，面臨挑戰。
當代藝術語境中的攝影，早已不用為爭取藝術地位而爭辯，它在以多元化、包容、跨媒介為特征的當代，成為了有力的工具和個人藝術發聲的手段。本文將從內容、材料、形式三方面來研究和梳理攝影創作方法。
創作路徑
1.在模仿中創造
藝術史上一直不乏模仿性的作品，模仿不是終點，在模仿中再創造才能生成新的“靈光”。當代藝術是藝術歷史的一頁新篇章，它割裂了與傳統藝術的實質性的形式連帶關系，在這種新興的藝術定位中，各種媒介、材料、形式的嘗試使用者中都涌現了佼佼者及大師級的人物。這些人物以及他們的作品在藝術長河中熠熠生輝，后人的創作無不在他們創造的語境中摸索徘徊。“模仿”是有效的學習方式，是認識藝術世界的捷徑。但是藝術家的創作如若單純模仿則會被定義為抄襲。所以，規避簡單模仿是做藝術的首要原則。
2.從在地經驗出發
對于中國當代來說，攝影無疑是個舶來品，中國攝影創作、教學無不參照西方，同時關照本土情況。在地經驗是當下解決攝影創作單一模仿困境的重要出路。
什么是在地經驗呢？在地即個體所在的土壤（地域、社會特性、文化背景），它不僅是鄉土經驗或本土經驗，也包括此在經驗。它不是狹隘的民族主義，不是固步自封也不是閉門造車。本雅明說“靈光”總在物體的“此時此地”現身，這句話道破了藝術作品成立和成熟的條件：時代性、地域性。
無論是紀實攝影還是觀念攝影，田野調查式的在地研究和學習，可以抵制一窩蜂的模仿，可以摒棄膚淺簡單的敘事方法，可以對抗浮躁和虛華。我們觀察成功的攝影家無不是從在地經驗出發審視和關注于己相關的空間、時間以及人的問題。例如日本最受藝術界尊重的藝術家杉本博司的作品，之間無論跨度多遠、差別多大，都不曾離開日本元素，不曾遠離他主要的生命際遇和思考。
3.實驗性探索
模仿是藝術創作路徑中常常無法回避的東西，于是要在模仿中創新、實驗。而使實驗探索行之有效的前提就是從在地經驗出發。攝影的實驗性的探索包括很多方面，大到形式、內容、主題、風格，小到道具的使用、色彩的變換等等。藝術作為人類意識形態中的先鋒分子，開創和實驗精神是其使命之一，尤其當代藝術所具有的探索性、開拓性和不確定性的實驗態度，給社會經濟文化發展方向提供了諸多的思考空間和可能。
杉本博司《海景》
攝影的近二百年的發展以及近幾十年大量的攝影藝術家的攝影創作無不在探索和實驗中成長，隨著時間的推移，大量成熟作品的問世，創作越來越難以尋找新的空間和道路，此時的實驗精神便尤為珍貴。
制作方法
現代數字影像的輸出和噴繪之后裝裱上墻是主流平面呈現方式。幻燈播放、影像裝置、手工書等是立體而綜合的展示方法。當代藝術的多元性及攝影技術的簡單化，使得攝影的呈現形式不再強調純粹和單一，多維度多層次的呈現方式必將賦予作品不同的生命。
近年來在藝術重地開始顯現了攝影傳統工藝的回潮，北京、上海、南京等地相繼出現的攝影古典傳統工藝的展覽、論壇，工作坊。這些照片的生成除了傳統銀鹽工藝，還包括：蛋白、濕版、藍曬、鈀金、范戴克等方法。中國的高校中有攝影專業的學科也開始設置攝影古典工藝課程或者工作坊。如今的速食化、便捷化讓很多攝影家反思藝術及攝影的精神，古典工藝不單是一種手法的選擇，更是一種對當下人思想意識的一種詰問。
攝影歷史中曾經有無數藝術家實驗和嘗試過不同的方式方法來做攝影，如今，亦有很多創作者將傳統方法與現代技術結合，例如無底放大、實物掃描。無底放大即“物影照片”，它拋棄了底片這一影像的初期載體，攝影史上做物影照片最出名的是曼雷。當下又有很多物影攝影的愛好者在這條路上進行了更加有趣的實驗。例如川美攝影畢業生周彥伶將手機物影在傳統相紙上，而手機里的數字影像又在相紙上反相呈現；有位魯美攝影畢業生是將螢火蟲的光物影在相紙上。這些看似只是方式的探索實際都觸及和探討到了攝影本質問題。而實物掃描是物影照片的變種，常有藝術家和學生將靜物、人的局部在掃描儀上直接掃描成像。
形式探索
分類本身對于豐富多樣、變幻莫測的世界來說，永遠都是牽強的，永遠都不可能涵蓋所有。我們研究攝影方法和形式探索不是為了分類而分類。而是為了更明了方便快捷的認識當下的攝影狀態，有些作品游離或跨越幾個類別也是情理之事。以下，列舉一些重要的、常見的作品形式方面的探索。
1.類型學攝影
狹義的類型學攝影指德國杜塞爾多夫藝術學院的貝歇夫婦創立的類型學攝影流派，他們的拍攝和工作方法又傳承給弟子們，總體又被稱為杜塞爾多夫學派，他們在攝影藝術世界的時間和空間維度上都產生著巨大的影響。例如安德烈?古斯基、托馬斯?魯夫等當代幾位杰出的攝影人都是出自這個系統。廣義的類型學攝影指一組作品里都以同樣的或類似的視覺形式呈現同一類型不同實體的內容的作品。這種拍攝方法簡單、有效，常被藝術家和創作者所采用。
貝歇夫婦《建筑》
2.行為、擺拍
因為攝影早期被行為藝術家作為記錄手段，使得很多觀念攝影是從記錄行為的照片中衍生出來的，也使得很多人認為觀念攝影就是擺拍攝影。這種謬誤不但影響了諸多的藝術學生的創作思路，也模糊著觀者的判斷。實則擺拍確實更容易契合作者的主觀意圖，也更容易造出非現實情景，確實被大多數藝術家使用，但絕對不是等于，更不是全部。其中人物擺拍中又有許多種不同方法和目的，例如有角色扮演、有自拍、有解構經典等等，日本的攝影家森村泰昌的作品就是兼顧了這三點而存在的典型性擺拍作品。
森村泰昌作品
3.數字后期處理
計算機軟件的發明讓攝影后期越來越智能化，很多處理圖片的計算機和手機軟件應運而生，攝影成了與大眾最親密無間的藝術形式。很多攝影作品就是依靠后期制造出作品強大的力量和觀念。臺灣攝影家袁廣鳴的《失格》就是非常具有代表性的將數碼技術運用在攝影中產生獨特觀念的作品。當然，在科技帶給我們創作觀念的新空間的同時，也不可避免的出現了更多的簡單、低級別的后期作品。這是科技帶來攝影門檻降低的代價，于大眾是好事，于藝術而言，則需要藝術工作者具有去粗取精、去偽存真的能力、眼光和責任了。
4.紀實手法
紀實手法比較少或完全不干擾和控制被攝對象，盡量尊重和還原空間人物的本來情景，進行現場直接拍攝。當代藝術攝影都是擺拍的觀點是一種誤解，也使其發展狹隘化，近年來更多的人認識到紀實的手法同樣可以駕馭觀念，紀實和觀念并不相悖。紀實手法帶來的真實的力量往往使研究的命題更加令人信服從而產生巨大的回響。
結語
當代藝術的內容無可不觸、類型多元而龐雜，攝影作為當代藝術的一種形態，其對世界提出問題的功能因其天然的紀實性而強大，藝術家不但有義務尋找別人未提過的問題，更要有對同一問題、普遍性問題以不同措辭來更有效的提出的能力，這個措辭，就是方法。科技發展無限、人的思維無邊，攝影創作方法必然不斷更新變化發展，但不論如何，方法只是途徑、手段與行為方式，其目的是創作、是表達、是發聲、是與自己、與這個世界對話。
關鍵詞：技術性 思想性 成像工具 影像載體
作為新興的科技產品與藝術表現方式的結合體，攝影就如同蒸汽機的誕生改變了世界工業格局一樣，攝影術的誕生徹底改變了人類觀察世界的方式。由于攝影術始于歐洲工業革命的大時代背景，所以西方社會對攝影美學與社會學方面的意義認識較早，其在藝術教育領域發展的時間較長，相關教育實踐也比較系統和完善。以法國為例，對于光學基礎知識與攝影基本技術的掌握，已在國民基礎教育階段有所觸及，進入藝術專業類大學的學生已經具備一定的攝影專業知識，可以在攝影學科的思想性與技術性領域進行較深入的學習與研究。而各專業學校在長期的教學實踐中也建立了適應攝影學科特點的教學方法與培養方案。再如德國包豪斯大學設計學院關于腦力與工具相適應的攝影訓練課程，就可以使學生在攝影實踐學習中達到思想性與技術性的同步。
就其社會背景而言，也已形成了科學完善的創作、展覽、拍賣、收藏體系，攝影藝術得以生存和不斷發展。
我國專業藝術院校攝影教育更多的是伴隨著數碼影像技術的普及發展起來的，學生入校前幾乎沒有任何光學和攝影相關知識背景，并且大多數攝影課程借鑒的是傳統設計類課程的教學方式，并未獨立形成體系。而且藝術教育領域里側重技巧與實用性的現象依然存在，使得攝影教學實踐在器材使用，特別是數碼攝影技術方面的實踐內容較為全面，而對于成像技術的多樣性以及攝影思想性方面的內容有所忽視，這與我國的商業化需求的背景有著直接的關系，大量攝影專業學生成為商業攝影師，但較少人從事其他影像創作與研究。
結合社會發展需要，掌握先進理論與技術，始終是設計和攝影教學的培養目標與要求。在當今攝影學科發展方興未艾的形勢下，如何吸收西方攝影教育的先進經驗，使我們的攝影教育，特別是基礎攝影教學中的思想性與技術性得到平衡發展，建立一套科學的攝影教學體制已成為我們需要研究探討的一大課題。
“一張技術上完美的照片可能是世上最乏味的圖像。好照片是技術和藝術的成功合成。”（安德烈斯·法寧格 Andreas Feininger），攝影的思想性與其技術性雖有著緊密聯系，但卻不可偏頗。然而如同藝術追求一樣，技術的追求也可以是無止盡的，特別是在攝影界普遍彌漫著“技術秀”的狀況下，對攝影作品的評判更多帶著技術評價的色彩。在攝影教學中，由于學生缺乏專業基礎知識，且存在畏怯心理，如果盲目拔高技術方面的要求，勢必扼殺學生的創造思維與表現欲望，并造成技術至上的主觀思想，影響以后的學習效果。所以在基礎攝影教學的開始階段，可以嘗試拋開技術層面的知識，甚至是相機本身的操作技術，引導學生關注于光學成像的現象與藝術表達的關系。
教育領域對于攝影教學的嘗試一直在繼續探索，本質上這些教學方式可以使學生更快更輕松的進入攝影課程的學習，并掌握控制光線，創造影像的基本方式與技巧，對于理解影像的藝術原理也有更加直觀的認識。在基礎攝影教學中鼓勵學生嘗試多種成像手段，將對他們后階段針對某一拍攝主題選擇合適的拍攝技術起到至關重要的作用。這其中的技術性探索包括成像工具再造、影像載體、后期技術及展示方式等。
影像載體的研究相對來說要復雜一些，對技術的要求也更高，傳統相紙的銀鹽顯影與數碼相片的墨水打印各有特色。在基礎攝影教學中，如有條件，可開展關于影像介質的學習與研究，內容包括化學顯影介質與數碼影像輸出。
通常意義上講，影像后期技術包括傳統暗房技術與數碼暗房技術，這其中也涵蓋了前文中所提到的影像載體方面的內容，在基礎攝影學習階段這些都是學生必須了解的內容，在目前教學過程中，一般將它們作為相對獨立的后期技術進行實踐。但是如果轉換思路，則完全可以將這些內容統一到完整的影像后期技術中進行綜合實踐，如將傳統底片進行數字化處理，或將數字影像與傳統顯影方法相結合，均可拓展出攝影教學實踐的新思路。
對攝影教學中思想性實踐的一種可行的分類方式就是依據攝影內容進行分類，如包豪斯設計學院在其攝影課程設置中依據拍攝內容分為表現攝影，災難攝影，媒體攝影，廢品探索，圖像的意圖，動物攝影等幾大類別，并分別進行課題研究，以找到闡述創作思想的多種途徑與技術手段，其中很多方式并非來自復雜的成像技術，這也印證了前文中所提到的不應盲目追求技術而應以創作思想為主導的要求。在這里摘錄包豪斯設計學院關于表現攝影課程相關項目的部分內容如下：
“這個項目的主要部分，也就是表現攝影的難點部分，是對一個攝影作者在圖片觀念上的促進與構思訓練。將自己的思想和故事借助相機經過自己的構思加工而實現，這也就是視覺傳播專業學習的核心。紀實敘事性攝影，是創作上的一個重要方向，也是學院里跨學科的關于靜止圖片的視覺語言訓練目標。
表現攝影與紀實攝影相比，藝術家主觀的敏感性對創作攝影舉足輕重。如同數碼攝影可以對圖片效果與類型很準確的控制，創作型攝影里作者的抽象意圖也進一步推進了對畫面的構思。圖片拍攝的創新想法，決定了對拍攝對象的感知與審視方式和對空間關系的把握。在攝影工作里圖片在物理與化學方面的加工過程影響著照片的質量。同樣利用相機與其他媒介工具所做的破壞性的以及更新的、帶有實驗性質的藝術創作方式，也是攝影工作里發現新工藝的方法。另外它也是通過對特定題材范圍的各種不同的演繹辦法，來展示與證明構思的表達方式具有多種可能性。”
思想性實踐并非只體現在以上幾個方面，由于攝影內容的多樣性，使攝影教學實踐可以無限發展研究領域，確立靈活多樣的思維聯系是鍛煉攝影創作思維的根本要求。
在基礎攝影教學實踐環節中應有目的的引導學生向思想性探索的方向發展他們的攝影創作思維，鍛煉其在表現不同題材中的主動性與創造力，為以后的攝影課程學習打下良好的基礎。思想性實踐的成果也應該明確體現在學生所完成的課題作業中，教師應在學生的實踐過程中，從技術上及思維導向上給予適當的指導。
不論攝影技術如何發展，攝影理論如何更新，在基礎攝影教學中，應始終抓住思想性與技術性統一，技術服務于思想的原則，大膽探索新的表現方式和思想內容，才能達到實踐教學的目的。最終的實踐效果也將呈現在學生的學習成果之中。（作者單位：華中農業大學楚天學院）
參考文獻：
［1］ 蘇珊·桑塔格．論攝影．上海譯文出版社，2010
一、開設藝術類公共選修課的意義
公共選修課是指由跨學科、跨專業的學生根據學校統一提供的選修課，自主選擇的課程。公共選修課是面向全校學生開設的，學生可根據自己的實際情況和學院安排，有計劃進行選修。藝術類公共選修課是公共選修課中的一個類別，開設藝術類公共選修課對培養學生綜合素質具有重要意義。
1.能靈活適應學生接受藝術教育的不同需要
藝術教育是以文學、音樂、美術為藝術手段和內容的審美活動，它以藝術的手段和形式，激發人的審美情趣，以產生情感共鳴。因此藝術教育應包括更為寬泛的藝術素養、人格熏染培養的教育和健康心理的形成。這一切都建立在用藝術的手段來實施教育的基礎上。所以，學生接受藝術素質教育時，不是采取約束力的強制性措施，而是寓教于樂、寓教于美的享受中，使學生在賞心悅目中不知不覺地進行一種愉悅情感的體驗。因此，我們只有通過開設全院藝術類公共選修課，盡可能讓同學們根據自己的特長、興趣和愛好，有選擇地、分層次地選修藝術類課程，以整體并確有成效地提高我們非藝術專業大學生的藝術水平。
2.能有效整合教學資源
我院藝術類專業只有美術專業，該專業大部分教師的專業技能在西南片區享有很好的聲譽，但是我院美術教師資源比較緊缺，如果非藝術專業都開設藝術類必修課，會導致任課老師緊張，有可能有些必修課請不到藝術老師，或者該系所開設的藝術課程比較單一，選擇的人數少，造成資源浪費。而在全院開展藝術類公共選修課，可以把散布到各系的音樂、美術、影視、舞蹈等方面的優秀教師集中起來，合理分配每學期藝術類課程的門類和所占選修課的比例，使學生的選擇面更廣，選修課資源更豐富。
3.能有效提高大學生的藝術素質
藝術教育是全面素質教育的重要組成部分，是大學生實現自身美化、完善人格塑造的重要手段。在校園文化建設中，開展多種形式的藝術教育，能夠使學生性情得到陶冶，思想得到凈化，品格得到完善，從而促進身心和諧、健康的發展。但是，校園藝術文化缺乏系統性和科學性，不正確引導有可能讓學生接受的藝術教育偏離方向，況且，校園文化對學生進行藝術普及教育的力量較為薄弱，勢必影響學生審美素質的培養和提高。因此，開設全院藝術類公共選修課，教師在課前要精心準備，把這門課的知識點合理組織成一個完整的知識體系，有爭議的或者與當前藝術主流不相符的內容與學生相互探討，從而培養大學生用正確的、藝術的眼光去欣賞周圍美好的事物，用美麗的心靈去影響他人，大學生的藝術素質也得到提高。
二、藝術類公共選修課管理存在問題
隨著教學改革的深入和社會對人才素質要求的提高 以及學校招生規模的不斷擴大，學生人數的迅速增加，公共選修課教學中存在的問題和不足日漸暴露出來。目前藝術類公共選修課管理中存在的主要問題和不足，歸納起來大致有以下幾個方面。
1.課程結構不盡合理，學科門類不夠全面，數量明顯偏少
藝術類公共選修課可以分為文化藝術、語言藝術、形體藝術等，具體課程有“自我形象設計”“影視藝術欣賞”“大學生音樂知識與欣賞”“大學美術”“攝影藝術”“識譜與視唱”等。但是普通高校普遍存在著文化藝術類課程開設較少，形體藝術類課程開設的較多，所以出現了文化藝術類課程由于選課人數少無法開班，而形體藝術類課程出現“僧多粥少”的現象。然而，避免這種現象的解決辦法卻是“因師設課”，同一門課由一個教師承擔多個教學班。這樣，雖然基本滿足了學生選課的需要，但課程種類偏少，且開設的課程重技能訓練，學生接受文化熏陶的機會很少，課程體系結構不盡合理，從而造成學生選課的空間大大減少，學生不得不為修滿畢業所需學分而“被迫”選課。這種開設方法不利于學生綜合發展，不利于優化學生的綜合素質提高，也不能體現出藝術類選修課的特色和優勢，與藝術類公共選修課設置的初衷相違背。
2.師資力量薄弱，授課教師職稱學歷偏低
承擔藝術類公共選修教學任務多為中級職稱以下或學歷較低的青年教師，高職稱和高學歷教師承擔選修課的教學任務偏少。青年教師由于教學任務繁重，教學經驗不夠豐富，導致開設的課程內容不夠新穎，不能緊跟研究前沿。有些老師教學內容強調欣賞，或者訓練很專業的技巧，對學生的天賦要求很高，大部分學生只有提前放棄了這些技能的學習；有些老師把主要心思放到專業教育上，忽視了對全院學生進行藝術觀念和藝術素質教育。而我們的藝術素質教育，宗旨是對大學生進行藝術普及教育，讓他們感受藝術的美，陶冶情操。這些綜合原因，使教學質量難以保證。
3.教學管理制度不夠規范，教學質量難以評價和監控
由于藝術類公選課教學管理制度的不健全，影響了對教學質量的監控和評價。教師對選修課的重視程度不夠，開設的隨意性比較大。很多課程缺乏統編教材，缺少必要的教學大綱和明確的教學進度，而且教學內容相對也不夠完整，教學時間難以保證。另外，公共選修課一般安排在必修課外時間，客觀上也使教學質量的監控難度增加。選修課的考核多采用考查形式，于是個別抱有混學分心態的學生，平時不去上課，考核時則借同學的筆記應付。教學管理部門不可能對每門課程的每一堂課都進行考勤，而任課教師因時間關系往往也只能做到上課抽查點名，所以即使有學生缺席，有時也難以被發現。這種選而不修、修而為考、考而為學分的現象，主要是因為公共選修課的管理制度不夠規范，學生對公共選修課的重要性認識不夠，學習的積極性不高造成的。這些因素都影響著選修課的教學效果和教學質量。
三、解決問題的主要對策
1.規范對藝術類選修課的過程管理
一是教務處每學期開學初制訂一個詳細的教學計劃，如每一學期保證至少3類5門選修課。
二是每位開課教師上課之前必須寫好該門課的教學計劃、教學日歷。
三是對教師開設藝術類選修課，要加強管理。從教師的開課能力，所開的藝術選修課的目的與教學內容、準備情況如何，系主任和主管部門要嚴格把關。既要提倡和鼓勵教師多開課，又要保證教師開好選修課，提高選修課的質量。
四是學分制管理。對學生要加強管理，因為選修課涉及學生面廣，學生來自不同的年級和專業，原來的班級打亂，給管理工作造成很大難度。因此，應該把藝術學習和考試結合起來，讓學生的人文素養與專業知識一起構成學生的總體成績。如非藝術類專業學生在校期間，必須完成2學分的藝術類選修課程的學習。
五是設立面向全院藝術素質教育的公共藝術教研室。由教研室統一選擇配套教材，在教學內容上形成系列，具有適合于不同層次的、更加豐富的課程類別。
2.轉變藝術教育觀念，加強實用性教育
傳統的藝術教育觀念，把藝術教育作為傳授藝術知識、訓練藝術技能、培養藝術家的學科。在這種思想指導下，藝術教育以教師為中心，以課堂機械模仿唱歌、繪畫為主線，學生始終處于被動的、接受知識的地位。這樣做的結果是扼殺了學生學習藝術的興趣，阻礙了他們創新精神的培養。因此，必須破除傳統藝術教育觀念的束縛，確立現代藝術教育觀念。主要從以下四個方面來做：
一是把藝術教育作為整個素質教育工程的有機組成部分，克服孤立或片面實施藝術教育的做法。
二是必須從基礎抓起，既要注重激發學生創新欲望和動機，又要加強為了創新而必需的基礎知識學習和基本技能訓練，使學生的創新發展有一個堅實的基礎。
三是堅持以學生創新發展為根本，真正把學生作為創新學習的主體，尊重他們的創新精神，充分發揮他們在藝術教育中學習的積極性和能動性。
四是重視個性差異。學生在藝術教育過程中，表現出個性差異是藝術教育的資源，一定要充分利用，進―步開發他們的創新潛能，促進他們個性發展。
3.提高藝術教育教師素質
